Quantcast
Channel:
Viewing all 5119 articles
Browse latest View live

Skladanje podobe in glasbe za film Blue Velvet Revisited

$
0
0
Okrogla miza, intervju ali pogovor
4. 12. 2016 - 10:00

Peter Braatz in Erik Stein - intervju

 

Potem, ko se je film Blue Velvet Revisited odvrtel v Kinoteki pod okriljem Ljubljanskega filmskega festivala, smo se pogovarjali z avtorjem filma, pri nas živečim nemškim režiserjem, Petrom Braatzom, ter z Erikom Steinom, pevcem angleške skupine Cult With No Name, ki je skupaj s skupino Tuxedomoon za omenjeni film skomponirana glasbo.
Beseda je tekla o njunem medsebojnem sodelovanju in učinku glasbe na podobo filma. Za tiste, ki si filma še niso uspeli ogledati, naj povemo, da gre za dokumentarni film, o tem kako je Lynch davnega leta 1985 snemal Modri Žamet.
 Peter Braatz je na snemanje Lynchovega kultnega filma pripotoval kot študent Berlinske filmske akademije s svojo super 8 kamero, in z omejeno količino filmskega traku. Zelo si je namreč želel spoznati delovno metodo tega velikega režiserja, zato mu je bil pred tem napisal goreče pismo, na katerega je Lynch jedrnato odgovoril, da ga zadeva zanima in Braatzu tako odobril prisotnost na snemanju Modrega žameta.
Ker pa je Braatzov dokumentarni film veliko več kot preprosti making-of, smo se v pogovoru posvetili  njegovemu načinu montiranja tega dragocenega trideset let starega arhivskega materiala, ter filmski glasbi, ki je filmu prinesla čustveni naboj, in ki je vplivala na sam nastanek filmske podobe.

Sledi intervju, ki se nahaja v posnetku oddaje.

 

Pripravila Simona Jerala

 

Aktualno-politične oznake: 

facebooktwitterrss


Sodobna ukrajinska proza I: Tanja Maljarčuk

Zakaj so memi na desnici boljši?

$
0
0
Mnenje, kolumna ali komentar
4. 12. 2016 - 18:30

Komad, ki se trenutno repa v ozadju, nosi ime Notorious KKK. Njegov avtor, Moonman, bivša McDonaldsova maskota, je po izgubi službe tam nekje v osemdesetih svoj talent v šovbiznisu znova preskusil na drugem področju – v Ku Klux Klanu, kjer je postal Veliki čarovnik, ter v repanju. S svojim gengom Tripple K Mafia, ki ga poleg njega sestavljajo še Adolf Hitler ter risar karikatur Ben Garrison, znan tudi kot Zyklon Ben, klešejo rime, v katerih pozivajo h genocidu proti vsem, ki so jim vzeli službe, ki so leni, ki z mešetarjenjem odirajo ljudstvo, ki zahtevajo, da se jim prizna spolna identiteta steklenice, ki se fukajo v rit … Skratka, v nasprotju z njihovimi črnimi nebrati želijo, da pocrkajo vsi nigerji, Judi, feministke, Mehičani, geji … od manjšine A do manjšine Ž. Mednarodno slavo so dosegli s prvencem Whitetopia. Če pogledamo njihovo kariero v celoti, pa so njihovi največji hiti priredba Bigijevega komada Hypnotize ali Notorious KKK, pa družbenokritični Black Lives (still) don't matter, Niggersteinin The Chosen People. Te boste v sklopu današnje oddaje lahko poslušali kot podlago. Ni treba posebej poudarjati, da je edino, kar sveto trojico white-power repa združuje z zamorskim repom, pogosta raba besede nigger.

 

Z drugimi besedami: Moon man je bil maskota McDonald'sa, elegantno oblečena pojava z luno namesto glave, ki je po nekaj TV-reklamah v osemdesetih letih bolj ali manj utonila v pozabo. Njegov vnovičen vzpon se začne okoli leta 2009 na spletnih mestih á la 4chan, ko je na net priromal omenjeni Notorious KKK. Priredba je bila pograbljena kot vzorec in kmalu se je na youtubu znašla plejada parodij na rep komade, v katerih Moon Man opisuje svoj odnos do manjšin. Na spletu zdaj najdemo cele LP-je, kot sta Whitetopia in KKKiller. Zadeva je še pred kratkim delovala kot preprost trollizem, kot zabavno pisanje politično nekorektnih svinjarij za šokiranje vedno očarljivo ogorčene javnosti. Poudarjamo: Še pred kratkim.

 

Ta pred kratkim se je končal, ko so se lansko leto tovrstni memi s 4chana zaradi cenzure boardov, kot je /pol/ oziroma Politically incorrect, pretežno prestavili na twitter in tako iz kleti in podstrešij priromali pred oči širše javnosti. Njena lastnost je običajno v tem, da v trollu ne prepozna trolla. Po eni strani tako dobimo kup resnobno-bebavih odzivov, ki trolla hranijo, po drugi – in to je pomembnejše – pa se je Moon Man, tako kot mnogi drugi politično nekorektni memeji, ujel z gibanjem, ki ga danes poznamo pod imenom Alt-right. Na površini postov se je tako zabrisala ločnica med resničnim rasizmom ter rasističnimi šalami. K temu je dodatno pripomogla Hillary Clinton, ko je določene meme označila za simbole sovražnega govora. Vseprisotna razpizdenost neumnih liberalcev je povzročila, da so Moonmanovi rajtingi skočili v nebo. Po svoje sem jim za to lahko le hvaležen – njegovi komadi so namreč nekaj najboljšega po Dolanu, po šalah o holokavstu in po holokavstu kot takem. Enako mnenje ima skoraj zagotovo večina ustvarjalcev, ki so pač preprosto trolli.

 

Meja med posti je zaradi internetne anonimnosti, ki zabrisuje razliko med izjavo in izjavljajočim subjektom, pač preprosto zabrisana. Moonman in podobni memi tako začnejo ustvarjati vzporeden prostor predsedniške kampanje Donalda Trumpa. Desnica jih, skratka, posvoji in jih s tem vpiše v funkcijo, ki presega preprosto trollanje. Iz tega razloga je pri fenomenu Alt-righta pogosto nejasno, ali gre za šalo ali zares. Ampak ni pomembno – ko je funkcija enkrat podeljena, funkcija tudi funkcionira. Reprezentacije, ki jih neka politična sila vzame za svoje, v vsakem primeru tvorijo moment obstoja te sile, niso preprosto njen odsev, temveč sooblikovalec. V tem kontekstu je jasno, da spekter podob, ki si ga proizvaja sila, pove marsikaj o tej sili kot taki.

 

Tu se vračamo k vprašanju oziroma k naslovu, s katerim se je začel prispevek: »Zakaj so memi na desnici boljši?« Sicer pravilen, temveč presplošen odgovor bi bil preprost: »Ker so memi na levici zanič.« Če izpustimo izjeme, kot sta Satanic communist party ter zdaj že popolnoma bedni Children characters advocating slaughter of the bourgois, in pogledamo glavne strani á la Socialist meme causus, brez težav uvidimo, da gre bolj ali manj za rakotvorno moralistično sranje. Ampak s tem o levici in desnici povemo bore malo. Tisto, kar bi sam rad poudaril in razdelal do konca oddaje, je namreč to, kako se v memih, ki jih neka sila vzame za svoje, pokaže odnos, ki ga sama vzdržuje do fenomena nasilja. In to – odnos desnice do nasilja – bo zavzemalo preostanek prispevka.

 

Moon Man bi rad pobijal črnce in tudi jih, če verjamemo njegovim izjavam. Prav tako tlači v peč Jude, pretepa in posiljuje ženske, bombardira Detroit, meče atomske bombe na Bližnji vzhod, izvaja množične deportacije, gradi koncentracijska taborišča. Po svoje Trump, če pogledamo njegove izjave, ni daleč od tega. Sicer je marsikatera od rasističnih, ksenofobnih in drugih, kar se mene tiče, nezaželenih politik, ki jih obljublja, zgolj bolj eksplicitno izražanje tega, kar že tako ali tako je. Mehičane je izganjal že Obama, že pod njegovo oblastjo so trpinčili temnopolte, prav tako na meji med Mehiko in ZDA že nekaj časa stoji zid. Ko Trump govori o tem, da bo zgradil največji zid, kar jih je, v najhujšem primeru trdi zgolj to, da bo obstoječi zid zvišal za pol metra.

 

Toda, kar zadeva same izjave, vseeno lahko opazimo določeno novost. O tem, kaj bo počela njegova administracija, je načeloma zelo ekspliciten. Ali so predstavljate liberalca, ki bi odkrito poudarjal, da bo njegov odnos do kogarkoli že, kakorkoli nasilen? Ne, ker je kot liberalec deklerativno proti nasilju. Ali si po drugi strani predstavljate liberalca, ki z dejavnostmi, v katerih je udeležen, izvaja nasilje? Seveda, ker je nujno nasilen. Na nek način bi lahko rekli, da en sam rasistični, v Alt-right akrtikulirani Moonmanov komad v sebi nosi več refleksije lastnega delovanja kot celoten bebav liberalni pacifizem.

 

Toda, ali so preostali levičarji, četudi pripadajo raznim liberalnim borcem za človekove pravice, četudi se imajo za socialiste, anarhiste, karkoli pač že, kaj boljši? Menim, da ravno to niso. Od neke točke v 20. stoletju naprej, po Die Rote Armee Fraktion, je namreč na levi postalo zelo popularno obsojanje nasilja. Sploh ne gre za obsojanje nasilja sovražnika, naše nasilje je pa pač kul, ker je naše nasilje – takšen moralizem bi bil, kar zadeva trenutno stopnjo samorefleksije levice, pač istega ranga kot Kopernikova destrukcija Ptolemaja. Levica namreč obsoja nasilje kot tako. Bluzi o horizontalnih, vseh hierarhij opranih odnosih, o prostorih javnosti brez nasilja, skratka vsakič, ko govori o določeni organizaciji, ki kot organizacija, pa naj gre za urednitev anarhistovih vrtičkov ali za organizacijo protesta, predpostavlja reprodukcijo določenega spleta pravil ravnanja in s tem uvedbo določenih, tihih ali glasnih – to v bistvu ni pomembno -, prisil.

 

Seveda lahko desnici očitamo, da svoje nasilje vedno vpenja v shemo, ki jo lahko s sklicevanjem na Balibarjevo besedilo Nasilje: Idealnost in krutost poimenujemo preventivno protinasilje. Pri tem konceptu gre za to, da opiše določen tip izjavljanja o nasilju, ki na eno stran postavi določen idealen red, določen tip organizacije, določeno vrednoto, ki jo je treba ubraniti pred grozečo apokaliptično nevarnostjo, pred barbarizmom, ki prihaja nekje od zunaj. V sfero takšnih izjav spada Trumpovo rjovenje proti hordam mehiških posiljevalcev, proti pritoku islamističnih skrajnežev v državo. Mednje sodijo izjave likov, kot je Sebastjan Erlah, ki bi začrtali mejo, ob katere prehodu bi se na begunce iz Sirije vsula toča svinca. Izjava, na katero slovenska levica ni znala odgovoriti drugače kot s patetičnim krikom: »Obsojamo vsako nasilje.« Sem sodijo tudi vsi nostalgični kvazikonservativizmi – Make America great again - , ki izražajo željo po vrnitvi v določen kvaziidealen red pred začetkom katastrofe.

 

A levica danes ni sposobna doseči niti tega okvira. Sposobna ni ponoviti niti moralistične floskule Rose Luxemburg: »Socializem ali barbarstvo.« Sposobna ni niti eshatoloških fantazij revolucije, izraženih v Komunističnem manifestu. Njena samorefleksija je resnično v kurcu, saj tudi takrat, ko kaj brani – in pokazali bomo, da v bistvu ne počne drugega kot to, da brani –, ne prizna, da obramba v svojem pojmu vsebuje razmerje med najmanj dvema silama, pri čemer ena nekaj zahteva, druga pa ji preprečuje realizacijo te zahteve in je s tem a priori nasilna. Ne, ona nasilje obsoja. Seveda to ne pomeni, da levica nasilja ne premore. Iz tega, da se določenim stvarem postavi v bran,  moramo sklepati, da ga nujno tudi izvaja. Le priznati si tega nikakor ne upa. Približno tako kot liberalci. Na tem mestu se lahko obrnemo h Carlu Schmittu in njegovemu spisu Pojem političnega. Nekje na koncu pojasnjuje, kako v liberalnih družbah pojma odnosa sovražnosti in boja nadomestijo besede polemika, razprava in podobno.

 

Zdi se, da levičarji s stalnimi pozivi k dialogu, s stalnim poudarjanjem lastne, baje obstoječe nenasilnosti, padejo v okvir njegove kritike. Kronski primer takšne argumentacije je bilo pismo podpore tovarni Rog – mislim, da skupno pismo sociološkega ter pedagoškega oddelka. Če se prav spominjam, je argumentacija potekala nekako takole: 1) Če se Mestna občina Ljubljana ne odpove uporabi sile, ki jo premore, gre za neenako razmerje moči in odsotnost dialoga. 2) Ker je potreben dialog in ker so razmerja moči v svoji neenakosti slaba, naj se Mestna občina Ljubljana odpove nasilnim sredstvom. Če povzamemo: V nekem spopadu je nekdo od mene močnejši, zato ga naprošam, da se odpove temu, kar zmore, da ne bo več močnejši. Bravo! Bravo! Argumentacija in pol! Zahteva po razorožitvi je znamenje nenasilja! Zdi se, da je v enem samem Moonmanovem pozivu k obrambi bele Amerike več samorefleksije lastne nasilnosti kot v celotnem prevladujočem levem govoru. Pa naj gre za liberalce, socialiste, anarhiste ...

 

Pa spet: vendar … Ali je desnica sploh ostala v okviru tega, kar smo poimenovali preventivno protinasilje, obramba idealnega reda, vrednot …? Memi namreč kažejo ravno na to, da je desnica z lastnim samozavedanjem prebila ta okvir. Logiko obrambe večkrat nadomesti logika ofenzive. Ne gre za to, da nekaj branimo – razstrelili bomo celoten Bližnji vzhod! Zakaj? Ker nam gre preprosto na kurac. Zmobardirali bomo Detroit! Zakaj? Iz istega razloga. Desnica je ves čas v ofenzivi – tako v raznih ideoloških reprezentacijah lastne prakse, ki se kaže v spletnem fenomenu memejev, kot v tej praksi sami. Rasizem, ksenofobija, seksizem gor ali dol – iskrenost v lastnem nasilju si zasluži zgolj pohvalo. Levici, ki jo je strah priznati že nasilno obrambo,  strast po osvajanju ne bi mogla biti bolj tuja. Njena logika je v celoti reaktivna – branimo človekove pravice, socialno državo …, pa še pri tem si načeloma ne upamo priznati, da s tem stopamo v določen konflikt sil. Raje opletamo s pacifističnimi frazami o nenasilju. Zanimivo bi bilo narediti zgodovinsko raziskavo o tem, kdaj je levica postala tako konkretno pomehkužena. Tega desnici vsekakor ne moremo očitati.

 

Ravno nasprotno. Dobro bi bilo, da bi se levica od nje kaj naučila. Na tem mestu bi se za konec še enkrat obrnil k že omenjenem Balibarjevem spisu Nasilje: Idealnost in krutost. V njem omenja Bataillev spis Psihološka struktura fašizma in zatrjuje, da je bil Bataille v času, ko je spis priromal na dan,  obtožen iznajdbe pojma nadfašizem. Ime pojava sicer ni Bataillevo, je pa smisel, ki ga označuje beseda nadfašizem, docela skladna z njegovo mislijo. Gre namreč za idejo, da naj bi levica v svojo službo vpregla iste iracionalne, z Bataillem rečeno, heterogene sile, ki jih v svojo korist uspešno vklepa fašizem. Zato pa se mora odreči goli obrambi in mistifikaciji nasilja – postati mora ofenzivna in ponosna na nasilnost, ki pritiče temu. Jadikovanje o nenasilju je lahko zgolj znamenje manka samorefleksije, logika obrambe pa, kar zadeva učinke, ki se jih od nje pričakuje, popolnoma neučinkovita. Mogoče tudi njen izraz na spletu potem ne bo več tako patetično zanič.  

  

Aktualno-politične oznake: 

facebooktwitterrss

JARRY JE NADREALIST V ABSINTU

$
0
0
Oddaja
4. 12. 2016 - 20:00
 / Teorema

»Ta človek ne bo nikoli več pisal. Njegov delirij je dokončen!« Izjava dr. Jacquesa Lacana konec tridesetih po tistem, ko je pregledal Antonina Artauda v pariškem predmestnem »psiho-zavetišču«. Seveda ta ni prenehal pisati oziroma se je njegova dejavnost pozneje še povečala. Se je torej veliki Lacan zmotil?

Zgodba je bolj zapletena. V začetku 40. let je bil Artaud še zmeraj v blaznici, kjer je zaradi vojnih razmer primanjkovalo hrane in osnovnih dobrin. Blaznica se je počasi spreminjala v hiralnico. Antonin bi verjetno umrl, in to zaradi najbolj banalnega vzroka - lakote, če ga ne bi »rešil« nadrealist Robert Desnos. Pesnik je za pomoč prosil svoje pesniškega prijatelja in psihiatra Ferdierja. Sprejel ga je v bolnišnico, ki jo je vodil na neokupiranem jugu Francije. V nasprotju s teoretskim in analitičnim Lacanom je bil Ferdier človek akcije in navdušenec nad pozitivistično psihiatrijo. Bil je med prvimi, ki so preizkušali terapijo z elektrošoki v Franciji. Ta je v Francijo prišla z rimskimi prašičjimi klavnicami, kjer so jih uporabljali, preden so jih »iznajdljivi« Italijani preizkusili v psihiatriji. Ferdier je skušal ovreči Lacanovo diagnozo tako, da je Artaudu »pražil« možgane.

Michel Foucault je v prvem poglavju knjige Zgodovine norosti Artauda razglasil za tragično, kozmično izkušnjo norosti, ki stoji nasproti kritični zavesti moderne, ki je norost določila in obvladala kot nerazumnost. Psihiatrija je bila v tistem času rudimentarna, terapije pa eksperimentalne in nedomišljene. Ljudje s psihičnimi težavami so umirali v prenapolnjenih psihiatričnih oddelkih splošnih bolnišnic. Absurdni, skoraj nadrealistični učinek šok terapije je bila Artaudova odpoved Bogu, za katerega je trdil, da ga nihče ne sovraži tako kot on. Ta kratka psiho-biografija poskuša ilustrirati težavnosti psihiatrije, ki skuša mentalne aberacije diagnostično in simptomatsko klasificirati in jih povezati z ustreznimi terapijami.

Artaudu je bila sprva postavljena naslednja zelo povedna in »baročna« diagnoza: kronična halucinatorna psihoza z razbohotenimi, polimorfnimi, deliričnimi idejami raznolikih smeri. Pozneje je bila ta diagnoza z napredkom diagnostičnega aparata opredeljena kot shizofrenija. Prav ta je ena od nevralgičnih točk psihiatrije. Je v procesu neustavljive prehodnosti, permanentne nerazrešljivosti, v precepu nevrologija/kultura, um/telo… Ali je torej shizofrenik konstitutivno mejna figura? Michel Foucault na sledi branja Georges Batailla in drugih govori o mejni izkušnji, ki pod vprašaj postavi sam subjekt. »Mejna izkušnja ima funkcijo iztrganja subjekta iz samega sebe, poskrbi, da subjekt ni več on sam, da izgine ali se raztopi. To je projekt desubjektivacije. Ta izkušnja iztrganja subjekta mi je bila pomembna pri branju Nietzschea, Batailla in Blanchota.«

Ustanovitelj nadrealizma Andre Breton je študiral medicino med letoma 1913 in 1920. Med študijem in prakso v nevrokliniki se je začel resneje zanimati za psihiatrijo, še posebej za takrat pogoste diagnoze: histerije, psihoze in paranoje. Vpliv Freudove psihoanalize na nadrealizem je izčrpno dokumentiran in raziskan, a Breton je obsesivno bral nevrološke spise takrat velikih imen stroke in tudi sam napisal nekaj nevroloških »poročil«. Theodore Fraenkel sošolec in kasnejši zdravnik, takole opisuje Bretonove izkušnje z »norci«: »Bretona je vse skupaj pretreslo, videl je, da so bolniki boljši pesniki kot on. Obstoječi kanon se je razletel ... Prisilil me je, da slišim glas demence, ki me je privlačil le pasivno, kot zmeraj.”

Breton kasneje piše o tej transformativni izkušnji: »Poslan sem bil v center za obolele vojake, može, ki so jih poslali domov zaradi psihičnih težav in motenj. Nekaj mož je bilo očitno akutno norih. Tukaj sem lahko eksperimentiral s pacienti, videl naravo diagnoz in psihoanalizo na delu. Posebej sta me pritegnili metodi zapisovanja sanj in svobodnega asociiranja. Vse to je bilo od samega začetka v osrčju nadrealizma.«

Zakaj natančno je Breton opustil medicino in se začel ukvarjati s pisanjem, ni najbolj jasno, a je vpliv nevrologov in psihiatrov, kot sta Jean-Martin Charcot in Joseph Babinski, eksplicitno naveden v prvem manifestu nadrealizma iz leta 1924, kjer omenja slednjega, mesto pa je dobil tudi v Bretonovem kratkem romanu Nadja. Zveni, kot da manifest nadrealizma navdihuje psihiatrična praksa: »Naši možgani so otopeli zaradi neozdravljive manije, klasificirati neznano, ga narediti znano…«

Če je nadrealistična soborca, kar sta bila vsaj nekaj časa Artaud in Breton, povezovalo tudi izkustvo institucionalne psihiatrije, je treba na kratko osvetliti tudi ta vidik. Analiza organizacijskega in arhitekturnega ustroja medicinskih institucij je nujna za poskus historizacije psihiatrične vednosti. Bolnišnica je hierarhična struktura z jasno predpisanimi vlogami na vertikalni osi. Jasno in strogo sta predpisana pretok informacij in to, čemur pravimo »birokratizacija bolezni«: dosjeji, zapisovanje napredka, vizite itd.

Institucionalnost kronične diagnostične in terapevtske nekonkluzivnosti mentalnih bolezni odseva v ritualih psihiatričnih ustanov. Vstop v ustanovo začnemo z diagnostično oceno, visoko ritualizirano proceduro bolnišničnega sprejema, sledi vzpostavljanje bolezenske dokumentacije, sproži se torej nekakšen institucionalni »trajektorij«, ki pa se ne konča z izpustom »ozdravljenca«.

Kdaj lahko za psihiatričnega bolnika rečemo, da je ozdravljen? Shizofrenik pri izpustu ne more zahtevati potrdila, da je psihično zdrav. Medicinsko osebje bi to smeje zavrnilo in ga najbrž poslalo na ponovno ocenjevanje. Shizofrenik je tudi institucionalno zamrznjen v tej prehodni, mejni fazi. Nikoli ne more biti dokončno reintegriran v »skupnost zdravih«.

Felix Guattari je v svojih besedilih iz 60. let vpeljal sintagmo transverzalna organizacija. Apliciral jo je na kliniki Le Borde, kjer je razvijal eksperimentalno psihoterapevtsko prakso. Klasične psihiatrične institucije so, tako kot druge organizacijske formacije, kompleksno omrežje linij nezavednih sil, relacij in želja. V takšnem okolju klasičen koncept bilateralnega transfernega odnosa analitik-anazilant postane kompleksnejši. Transverzalna organizacija je način konceptualizacije in manipulacije tega prepletenega omrežja nezavednih relacij. Transverzalnost postane neke vrste koeficient odprtosti in horizontalnosti med institucionalnimi podskupinami.

Guattari to odprtost ilustrira z aluzijo na konjske plašnice, ki so lahko bolj ali manj odprte. Institucionalna analiza uporablja transverzalnost kot orodje za spremembo običajnih kastracijskih formacij subjektov. V eseju Transversality Guattari vzpostavlja dve operativni skupini: subjektna skupina in odvisna skupina. Subjektna skupina prevzema nadzor nad svojim obnašanjem in je samoiniciativna, ko sama producira orodja za analizo in razjasnjuje objektna razmerja. V njej ni jasne hierarhije oziroma so vloge manj jasno zarisane.

Druga, odvisna skupina je pasivna, na terapijo pripravljena, podredljiva. Kot takšna se prilega hierarhični ureditvi ostalih skupin v instituciji. Guattari skuša problematizirati že opisano strukturo institucije, ki blokira svobodnejše gibanje linij želje pacientov in osebja. Guattari torej v svoji kliniki ustvarja razmere, v katerih »pacienti« prevzamejo odgovornost za svojo situacijo in preidejo iz pasivnosti v aktivnost. Aktivnost pomeni ustvarjanje novih form subjektnosti. Transverzalnost ne deluje torej le na manifestno komunikativno-organizacijski ravni. Raztaplja relacije, ki nezavednemu toku želje nastavljajo pasti, in jih postavlja tam, kjer jih ni pričakovati. Guattari to opiše takole: »Transverzalnost poskuša preseči tako rigidnost čiste vertikalnosti kot tudi golo horizontalnost.“

V že omenjenemu prvem manifestu nadrealizma Andre Breton za glavno metodo nadrealizma vpelje, s psihoanalizo navdihnjeni, čisti psihični avtomatizem. Cilj nadrealizma je z govorjeno, zapisano besedo ali kako drugače izraziti nezavedno. To zveni kot psihoanalitična seansa. Vendar psihični avtomatizem ni otrok psihoanalize, v nevropsihiatriji je prisoten že vsaj od leta 1850, ko je Jules Baillarger že prakticiral zapisovanje misli svojih pacientov. Metodo avtomatizma je v svojem laboratoriju razvijal tudi Jean-Martin Charcot, ki ga je Breton fenovsko bral. Pierre Janet je na tak način preučeval nezavedne fiksne ideje svojih pacientov. Poleg tega je s to metodo dokazoval persistenco spomina pri pacientih z amnezijo.

K razvoju konvencionalne psihiatrije je treba dodati spiritualizem, ki je na veliko prakticiral psihični avtomatizem. In vplival na oba naša junaka: Artauda in Bretona. Spiritualistični avtomatizem je deloval kot radikalno avtorska/korporalna/politična/semiotična praksa. Spiritualisti so opisovali avtomatizem kot ekstatično stanje, v katerem so lahko dosegli intimnost s spektralnim drugim. S preminulim dragim, otrokom, partnerjem. S tem ko so se odprli drugemu in pripeljali drugost v svojo notranjost, so transformirali subjekt v prepustno membrano. Spomnimo se na mejno izkušnjo, ki jo je Foucault razbral tudi v pisanju Artauda.

Za nadrealiste je avtomatično pisanje pomenilo izmakniti se racionalni kontroli ter vsem estetskim in moralnim ozirom. Pri takšnem pisanju je »avtor« le telesna lupina. Tako struktura tekstualnosti kot subjektivnost avtorja se izkažeta kot iluzorični. Psihiater Charchot, eden od navdihovalcev Bretona, je vpeljal hipnozo kot diagnostično orodje. Louisa Aragona in Andreja Breton je to tako navdušilo, da sta to potezo razglasila za največje poetično odkritje stoletja. Poleg vere v neomejeno igro nezavednih »misli« nadrealizem prisega na primat in vseprisotnost sanj.

K nadrealističnim umetniškim artefaktom je težko pristopati, saj so ti v svoji konkretni materialnosti zgolj rezidui nezavedne mentalne igre. Nadrealizem je predvsem dejavnost, in ne umetniška kreacija. Slikar, kot pravi Salvador Dali, zgolj poskuša materializirati podobe konkretne iracionalnosti. Zmotno bi bilo misliti, da gre nadrealistom za literaturo, ta je le medij nadrealistične dejavnosti. V deklaraciji nadrealistov iz leta 1925 v prvi točki piše prav to: »Nič nimamo z literaturo. A smo jo sposobni uporabiti, kot vsakdo drug.« in takoj v drugi točki: »Nadrealizem ni nov način izražanja ali lažji način, niti ni metafizika poezije. Pomeni totalno osvoboditev uma in vsega njemu podobnega.«

Charles Gauss v svojem besedilu o teoretskem ozadju nadrealizma poskuša najti epistemološko konsistenco njihovih iracionalnosti. Trdi, da je »vrednost« nadrealističnega umetniškega dejanja odvisna od »psihiatričnega indexa« umetnika in gledalca. Nadrealizem človeško percepcijo resničnosti odveže konsistentnosti in občosti, ta postane individualno poljubna. Domišljija, sanje, materialni objekti, ti registri niso v ontološkem hierarhičnem razmerju. Prepuščeni so posameznikovi nadrealistični »dovzetnosti«. “Paradižnik je otroški balon« zatrdi Breton in s tem ponazori, kako je nadrealistična dejavnost stvar notranje mentalne formacije, ki konstruira predmete in podobe pred nami.

Salvador Dali takšni derealizaciji nadene skoraj »konceptualno« sintagmo “paranoično-kritična dejavnost”. Ali vidimo paradižnik, balon ali slona, je odvisno od naših »paranoičnih kapacitet«. Zunanjost ni več »skupna lastnina«, vsakdo je v svojem perceptivnem »balončku«. Če se torej nezavedno materializira kot nekaj partikularnega, kako potem pridemo do nadindividualnega v nezavednem? Nadrealisti so si zastavili prevrednotenje vseh vrednot, a so ob tem morda pristali v »neposredovanem« subjektivizmu? Če pristanemo na freudovsko psihoanalizo in si jo vzamemo za metodološki temelj, ostajamo neizogibno v fokusu individualne libidalne ekonomije. Skupnost je v takšni perspektivi vedno že agregat individualnih libidalnih ekonomij. Nezavedno ima strukturna mesta manifestacije v jeziku oziroma natančneje v govorici, ki pa je »zasebna govorica«.

Kaj je prej, kokoš ali jajce: mama, oče ali sin? se sprašuje Gilles Deleuze v knjigi Antiojdip. V odgovor pove bistveno za razumevanje psihoanalize. Družina je vedno že investirana z željo celotnega družbenega polja, ta ni izoliran nukleus, kjer se otrok kot poganjek razvije v družbeni cvet, ta poganjek je vedno že vsajen v družbeni humus, družina je zgolj sprožišče, prvi stimulus skupnega. Psihoanaliza človeško duševnost reducira na dvosmerni proces: od nagonov prek nezavednega k zavestnemu miselnemu delu ali od zunaj prek sistema zavednega k nezavednim investicijam jaza in objektov. Nadrealizem želi do nezavednega s pomočjo psihoanalitičnih principov, toda psihoanaliza skuša v terapevtski praksi subjekt navezati prav na zunanji, »objektni svet«.

Freud v opombah spisa Vpeljava narcizma pravi: »Shizofrenik kaže dve temeljni značilnosti: samoveličje in odvrnitev svojega zanimanja od zunanjega sveta (oseb in reči). Zaradi tega se odtegujejo učinkovanju psihoanalize in ob naših prizadevanjih ostajajo neozdravljivi ... s shizofrenikom pa je drugače, videti je, da je ta svoj libido umaknil z oseb in reči iz zunanjega sveta, ne da bi jih v fantaziji nadomestil z drugimi. Kjer pa se pozneje to zgodi, je to videti sekundarno in del poskusa zdravljenja, ki naj bi libido povrnil nazaj k objektu.« Freud kasneje iz tega izpeljuje formacijo narcizma prav kot investicijo v jaz, ampak morda je v citatu zanimivejša »neozdravljivost« shizofrenije. Freud priznava, da nima ključa, ki bi odklenil norost. Freudovska psihoanaliza je nemočna, ko ni mogoče razbrati jasne objektne investicije, pa četudi v imaginarne ali fantazmske objekte.

In sedaj nekaj povsem drugega! Jaques Lacan! Če smo skozi preplet nadrealizma, freudovske psihoanalize in nevropsihiatrije poskušali na plan zmamiti norost, z Lacanom dokončno prehajamo na polje jezika. Njegov mitski stavek: nezavedno je strukturirano kot govorica nam bo iztočnica. Najprej je treba začrtati distinkcijo med lingvistiko in govorico, prva ima za objekt preučevanja slednjo. Temu je treba dodati še tretjo raven: psihoanalitske intervencije v govor. Lacan na začetku govori o intervenciji v imenu lingvistike, o »lingvisterstvu«, kot nečemu, kar se kaže kot lingvistika in privzema videz znanosti. A gre za govorico v najbolj preprostem pomenu: »Ljudje govorijo.«

Od Aristotelove znane humanistične opredelitve naprej je človek govoreča žival. In psihoanalitična praksa ni nič drugega kot intervencija v imenu te generične sposobnosti govorjenja. Lacan je na začetku svoje teoretske poti polagal upe v znanstvenost lingvistike. V besedilu Televizija prizna zmoto in znanstveno strukturo jezika na nek način nadomesti z neskončno variacijo govorice. Ludwig Wittgenstein je tisti, ki nam bo pomagal pri razumevanju teh razmerij. V svojem Logično-filozofskem traktatu postulira tri propozicije o govorici: 1) med tistim, kar se lahko izreka, in tistim, kar se ne more, obstaja realna in neprehodna meja, 2) o čemer ni mogoče govoriti, o tem je potrebno molčati, 3) tisto, o čemer ni mogoče govoriti, je mogoče samo pokazati. Možnost izrekanja tukaj seveda predpostavlja »pomen« oziroma smiselnost povedanega.

Ludwig je logik jezika in zato ne presenečajo takšne izpeljave: »Da bi začrtali mejo mišljenju, bi morali biti zmožni misliti obe strani te meje (morali bi torej misliti to, kar se ne pusti misliti).« Obstajajo torej primeri, ki se izrekajo v govorici, a so zunaj konvencionalnih pomenskih kategorij. Wittgenstein jih postavi v oklepaj, saj so brezpomenska, nesmiselna, nelogična, tuja racionalnemu mišljenju. Jean Claude Milner pa trdi, da Lacan zavrača takšno jasno razločitev na dve poti: »Pot logike, razumljene, kot medicine jezika, ki reducira paralogizme, nejasnosti v imenu rešenega pomena, in druga pot, pot lingvistike, razumljene kot galilejska znanost, ravnodušne in nepristranske tako do pomena kot do nepomena.«

Govorica je za Lacana brez meje, v smislu da meja mišljenja ne postavlja meje govorici. V govorici ni jasne razločitve med omembo in rabo, ni metagovorice, ni varuhinje pomenov in resnice. Meja je morda prej v samem mišljenju. Psihoanaliza si tako zastavlja težavno in morda neuresničljivo nalogo misliti tisto, kar se izmika mišljenju.

Lacanovska psihoanaliza je govorjenje tistega, kar Wittgenstein postulira kot tisto, o čemer se ne sme govoriti. V uvodu k Filozofskim raziskavam Wittgenstein nadaljuje svojo logiko, ko zapiše, da privatna govorica ne obstoja. V kasnejših interpretacijah Filozofskih raziskav sta iz tega stavka nastali dve »zapovedi«: 1) kjer ni pravila, ni govorice in 2) obstajajo zgolj javna pravila. To drugo pomeni, da »nejavnega« pravila nikoli ne moremo rekonstruirati z indukcijo iz posameznih primerov. A Lacanovska psihoanaliza je na nek način prav to, zasebna govorica nezavednega. »Pojem zdravljenja, pravi Milner, predpostavlja, da bi z objavo takšnega pravila (torej javnega pravila govorice) nekega singularnega nezavednega to pravilo razpustili, kot neobjavljeno bi bilo tudi neobjavljivo.«

Ti dve točki govorice – izrekanje nepomena in zasebna pravila govorice – sta zanimiv prispevek k Artaudovi in Bretonovim nadrealističnim praksam in njunemu spopadanju s psihičnimi aberacijami, še posebej s shizofrenijo. Kaj pa so drugega simptomi shizofrenije, ki jih pripisuje psihiatrija, kot porušitev “jezikovnih pravil”: razpustitev zbira znakov, besed in lingvističnih ritualov, konvencionalni pomeni človekovega sveta niso več integrirani v dokaj konsistenten sistem ekvivalenc smisla.

Pomudimo se za konec spet pri Felixu Guattariju in njegovem besedilu Notes on Power and Meaning, kjer govori o ”semantični dominanci”. Ta se izvaja skozi jezik, a tudi “skozi” telo, zapoveduje geste in telesne tehnike. Guattari navede nekaj “normalizacijskih tehnik” nezavednega:

  • Vedno začenja s subjektom in objektom.

  • Vsiljuje referenčno točko.

  • Splošča multiplicitete.

  • Naredi tokove prevedljive.

  • Vsak izraz, nekontrolirano ekspresijo prevede v paradigmo.

  • Nadzira govor, ukazuje k linearnemu pisanju, formira naracijo.

  • Povezuje ustrezne besede, foneme, jih discplinira, jih spravlja v red in vrsto.

  • Zagotavlja hegemonijo jezika – še posebej nacionalnega jezika – kot mašino moči, ki naredi prevedljivo vsakršno lokalno formacijo moči.

Nezavedno, strukturirano kot govorica, je vpeto v dominantne relacije moči. Vključitev v simbolni red ni nevtralna operacija. Gibljemo se po členih verige moč-hierarhija-impotentnost-kastracija, pravi Guattari. In boj poteka tudi na polju govorice. Morda sta lahko nadrealizem in shizofrenija “medija” političnega boja. Borimo se proti linearni naraciji, vojaški postrojbi sintakse. Že najmanjši pobegi od smisla nalamljajo omenjeno verigo. Vrzeli v blokadah iz otroštva in sprositev čudaških želja lahko v takšnih formacijah moči delujejo subverzivno. Ali, kot pravi Andre Breton: Swift je nadrealist zlobe, Sade je nadrealist sadizma, Hugo je nadrealist, kadar ni neumen, Noveau je nadrealist v poljubu, Vache je nadrealist v meni, Jarry je nadrealist v absintu...

facebooktwitterrss

Zgodba kot organizem

$
0
0
Recenzija izdelka
5. 12. 2016 - 13:00

Ivan Antić, ki je v slovenskem književnem kontekstu znan predvsem kot prevajalec v srbščino, je tudi pisatelj, in membrane, membrane so njegova druga kratkoprozna zbirka. Poleg Pristovega Gozdiča in Tomažinovih Stramorjevih korakov zame predstavljajo še tretje veliko odkritje naše kratke proze. Oprostite mi, ker književnost v srbščini imenujem za našo. V Beogradu sem pač našel svoje bližnje pesniške sorodnike in mislim, da je celo serijo mlajših slovenskih poetik mogoče razumeti zgolj v kontekstu skupnega postsocialističnega prostora. Mojca Pišek je v neki antologiji o vseh teh poetikah, ki niso vključene vanjo, napisala, da nimajo preteklosti in prihodnosti: no, ta skupni prostor, o katerem govorim, sta tako njena preteklost kot prihodnost.

Oprostite mi še za digresijo … Hotel sem reči tudi, da vse omenjene zbirke druži posebna skupna poteza. Njihovi liki so namreč ne-celi. Nimajo palete že opredeljenih lastnosti, ki bi stopale v interakcijo z dogajanjem, ki bi bilo njim zunanje, temveč so v neprestani interakciji z dogajanjem, ki jih gradi, pri čemer oni, povratno, gradijo dogajanje samo. Gre skratka za krožno strukturo zgodbe, ki prej kot na linearnost daljše proze spominja na poezijo. Obenem pa ta odprtost likov, to, da v njih ni nobenega oprijema, učinkuje nedomačno in zlovešče. Vse tri pisave so zaznamovane z izrazito prisotnostjo zloveščega. Vendar pa vsaka te učinke in to krožnost gradi z različnimi sredstvi.

Pri Antiću je mogoče prepoznati nekaj osnovnih prvin. Najprej, zgodbe piše kot misel. Spet bo uporaben Deleuzov koncept postajanja: protagonist vstopa v relacije do dogajanja in obratno prek posredovanja mišljenja, ki je postajanje-protagonist in postajanje-dogajanje. Literatura nekaj ukrade filozofiji in filozofija nekaj ukrade literaturi, s čimer obe profitirata. Nujnost vsakega postajanja pa je neka senzibilnost, neka meja med nerazločljivostjo in razločljivostjo, ki implicira določeno mojstrstvo (to pa nima nič z buržoaznim razumevanjem mojstrstva, mojstrovine in podobno). Proza v membranah to mojstrstvo dosega. Zdi se mi, da k temu veliko prispeva ritem njenih povedi, ki uspevajo biti tako enostavne in kratke kot zapletene in daljše, tako deskriptivne kot poetične. Ta ritem uspeva nadzorovati vse te prehode, ki so obenem seveda tudi vsebinski prihodi.

Še ena posebna poteza so številne parafraze, označene s poševnim tiskom. Krožna struktura prinaša s seboj tudi določeno mero samonanašalnosti, iz katere se zgodbe prebijajo ravno s temi parafrazami: a tukaj ne gre zgolj za vpenjanje zgodbe v njeno zunanjost, temveč za nekaj veliko bolj zanimivega. Namreč, s tem, ko se zgodbe vpenjajo v reference, reference tudi vpenjajo vase: gre torej za novo postajanje, obenem pa za podvojitev kroga, ki v prvega vnese neko dinamiko. Tako je videti, da zgodbe delujejo na več ravneh, ki so pripuščene k drsenju na isti površini: dogajanje, protagonisti, pisava, književna tradicija, metafikcija, vsak od teh elementov je v stalni interakciji z drugimi in nanje vpliva, razdira njihovo samoumevnost. Tem pa je treba dodati še enega: v mlinček vstopajo tudi nekatere realije iz vsakdanjega življenja v Srbiji.

Na tem mestu je na preizkušnji celoten način pisanja. Tako je občutljivo, da bi se na njem zgodbe lahko polomile in zašle v banalnost družbene kritike. Ali pa, na drugi strani, v relativizacijo realno obstoječih problemov. Vendar je vzpostavljeni stroj dovolj močan, da se nič od tega ne zgodi. Problemi so zvedeni na še enega od elementov, s katerim so vsi ostali v interakciji, z vso kompleksnostjo, ki jo premorejo tudi ostali elementi. Ne gre torej za relativizacijo, temveč za pripuščanje različnih ravni na že omenjeno površino, na kateri s svojimi posebnimi lastnostmi prihajajo v dinamične odnose z drugimi, s čimer so ti poudarjeni, ne pa tudi pripuščeni v prvi plan, ne univerzalizirani. Nasproti jim še vedno stoji nekdo, ki jih interpretira, ki mu niso vsiljene po avtorjevi volji. Obenem pa se ti problemi zapisujejo v čisto čutne značilnosti fenomenalnega okolja, s čimer zgodbe pridobijo novo unikatno potezo.

Membrane, membrane so torej povsem adekvaten naslov knjige: morda so poleg faktičnih protagonistov one glavne junakinje teh knjig. Skozi njihove medigre filtriranja se generira pisava. Dve membrani sugerirata obenem dvojnost elementov v interakciji, ki imata vsak svojo membrano, in neštevnost membran številnih elementov, ki se v vsaki interakciji postavljajo s posebno membrano.

Kljub njegovi inovativnosti in nenavadnosti njegovih postopkov pa mislim, da ima Antićevo pisanje še eno potezo, ki ne šokira, ki ne straši bralcev lepih manir. To je že omenjena zglajenost vse te kompleksnosti v elegantnem ritmu, že omenjeno parafraziranje, tako da si lahko predstavljam nekoliko blažji dostop do literarnih konvencij navajenih habitusov. Predvsem je v njih neka pretanjenost, senzibilnost, neočitnost, ki zahteva pozornega bralca, a mu obenem tudi pušča čas, da potrebno pozornost usvoji (kolikor še predvidevamo obstoj takšnih pozornega branja željnih bralcev). S tem pa ne mislim, da kakorkoli izgubi na moči; kvečjemu ta kombinacija predstavlja še en tip postajanja, ki se razrašča iz knjige.

Opozoriti je treba še na odličen spremni tekst Marjana Čakarevića, ki z bogato interpretacijo in teoretsko strukturiranostjo na svoj način med drugim razvija tudi nekatere od tukaj predstavljenih značilnosti, uvaja pa tudi drugačne in nove vidike.

Tako se izkazuje, da v naši književnosti precej zapostavljena zvrst kratke zgodbe prinaša še kako vitalne in inovativne poetike.

 

facebooktwitterrss

Leto izdaje: 
Avtorji: 

Animirane mandarine za prekarne novinarje

$
0
0
Kulturna ali glasbena novica
5. 12. 2016 - 15:10

Namesto da bi si pogledali komercialni animirani film Sausage party, se lahko do nedelje v Kinodvoru, Slovenski kinoteki in Stari mestni elektrarni udeležite Mednarodnega festivala animiranega filma Animateka. Ogledate si lahko animirane filme za odrasle ali pa ste bolj otroško razigrani in si privoščite projekcije v sklopu Slonovega tekmovalnega programa. S seboj prinesite osebni dokument, saj je starostna omejitev 2+.

Današnja otvoritev programa, ki bo na sporedu ob 20:30, zajema predstavitev žirantov ter njihovih kratkih filmov. Poleg tega bosta že danes na sporedu dve 3D računalniški animaciji, ki predstavljata letošnjo novost. Več nam bo povedala Sanja Čakarun, ki pri Animateki skrbi za odnose z javnostjo.

Izjava

Tudi če ste svojega filmskega molja predozirali na Liffu ali festivalu LGBT filma, si lahko še bolj razširite svoja obzorja tako z animiranimi celovečerci kot s kratkimi filmi:

Izjava

Če vas to ne prepriča, pa se lahko preprosto pogrejete: dnevi so hladni, v kinu pa je toplo. Poleg tega so v sklopu Animateke organizirani tudi spremljevalni dogodki: razstave, delavnice, predavanja ter okrogle mize v sklopu festivalske platforme AnimatekaPRO. Več o tem pa še enkrat Sanja Čakarun:

Izjava

 

Za vse tiste, ki bi se za trenutek želeli vrniti v svet brezskrbnega otroštva, pa ne bo skrbela le Animateka. V Daktariju si bo ob 19:00 mogoče ogledati predstavo Japonska pravljica. Tri med seboj povezane zgodbe bodo ob spremljavi tradicionalnega japonskega glasbila “koto” interpretirali trije igralci kolektiva Maki-fun.

 

Od obujanja spominov še k raziskovanju jaza. Vizualna umetnica Maja Krušec bo v baru Prulček predstavila cikel desetih avtoportretov v kolažni tehniki. Za glasbeno popestritev bo po performansu poskrbela skupina Just us.

 

Pri izbiranju današnjih kulturnih novic smo bili zelo pridni in smo se zelo potrudili, tako da bomo gotovo dobili veliko rožičev in mandarin. Ker pa si mislimo, da novinarjem pripada še kaj zapovrh, se bomo za konec posvetili še problemu prekarnosti v našem poklicu. O tem se bo danes ob 19. uri razpravljalo na okrogli mizi, ki jo klub Pritličje organizira skupaj z Gibanjem za dostojno delo in socialno družbo. Marko  Milosavljević, Vasja Jager, Kristina Božič ter Iztok Jurančič bodo razpravljali o fleksibilnem in honorarnem delu v novinarski stroki. Poudarek bo predvsem na vprašanjih izkoriščanja novinarjev, poseganja v svobodo tiska, preobremenjenosti in nepredvidljivosti dohodkov. Več o tem nam je povedal eden izmed sodelujočih, Iztok Jurančič, predstavnik Sindikata novinarjev, ki meni, da je položaj novinarjev specifičen, ker so novinarji agenti javnega interesa. Pojasnil nam je tudi, kakšne ukrepe predlagajo za izboljšanje novinarskega položaja:

Izjava

 

Morda pa bomo napisali Miklavžu pismo, da nam prinese še kaj več ...

 

Z vami sta bili vajenki Tjaša in Zala.

facebooktwitterrss

Kraj dogajanja: 

Kdo mi določa, kaj si želim?

$
0
0
Oddaja
5. 12. 2016 - 20:00

Recimo, da ima vsak teoretik nekaj bistvenih vprašanj, na katera poskuša v teku svojega življenja odgovoriti in na katerih sloni njegova teorija. Francoski antropolog, filozof, teolog Rene Girard je znan predvsem po teoriji grešnega kozla. Ta odgovarja na vprašanje, kako da človeška družba kljub nasilju, ki so ga kot nujnost človeške narave prepoznavali že mnogi filozofi, npr. Thomas Hobbes, še vedno obstaja. Kako da se ljudje, glede na svojo konfliktno naravo, še niso poklali med sabo? Kako se je družba zavarovala pred nasiljem, ki bi jo izbrisalo? Na to vprašanje je odgovoril s konceptom grešnega kozla, ki je tista oseba ali majhna skupina ljudi, proti kateri se združi večina, jo obtoži za vse težave, ki se pojavljajo v skupnosti ter jo iz skupnosti tudi izloči.

 

A tokrat se bomo ukvarjali z vprašanjem, ki je Girarda tekom raziskovanja, ki je premaknilo fokus iz intersubjektivnega proti družbenemu nasilju, sploh pripeljalo do grešnega kozla. To je vprašanje človeške želje. Za Girarda ni bilo ključno ugotoviti, kaj si človek želi, kaj predstavlja objekt njegove želje, ampak kako nek objekt sploh postane objekt želje. Misel, ki jo je razvijal, da bi odgovoril na to vprašanje, se imenuje mimetična teorija oz. teorija mimetične želje. Ključen koncept v tej teoriji je t. i. model želje.

 

Girard v odnos subjekt-objekt vpelje še tretjega, in sicer modela želje oz. mediatorja. Model želje je tista figura, ki subjektu posreduje oz. mediira nek objekt kot zaželen. A zakaj je želja nekoga drugega tako odločujoča za subjekta glede tega, kaj si bo želel tudi sam? Model je figura, v katero subjekt projicira neko predstavo bolj polnega življenja, superiornejšo bit. Model je skratka nekdo, ki se v subjektovih očeh po svetu giba veliko bolj samoumevno kot on sam. Modelova polnost nujno korespondira s subjektovim mankom oz. ga konstruira: kako dober sem v nečem, je vedno odvisno od tega, s kom se v tej kategoriji primerjam. In v čem si želim biti dober, je vedno odvisno od tega, v čem so dobri ljudje okoli mene. Subjekt je bistveno določen z mankom, zato bi rad dosegel raven bivanja, za katero se mu zdi, da jo je dosegel nekdo, ki ga postavi za svojega modela. Njegova osnovna želja je torej postati model oz. postati kot model. A kako človek postane kot nekdo drug?

 

Na to vprašanje je lažje odgovoriti, kot se zdi. Subjekt opazuje svojega modela in poskuša prepoznati, kaj tega človeka dela modela: kaj so njegovi atributi, kaj si želi, kaj ima. Tu niti ni pomembno, ali model res nekaj ima ali res nekaj želi, ampak ali se subjektu zdi, da model nekaj ima ali si nekaj želi. In če si nek objekt želi nekdo, ki že itak deluje veliko bolj izpolnjeno, potem subjektu postane jasno, da mora ta objekt prav zares posedovati neke izpopolnjujoče značilnosti, če si ga želi tudi nekdo, za kogar se zdi, da manka sploh nima.

 

Na ta način funkcionirajo ali pa želijo funkcionirati reklame. Kot vedo že marketinški vajenci: ljudje večinoma ne kupujejo produkta, ampak srečo ljudi, ki imajo produkt. Če neka srečna družina za zajtrk je neke žitarice, to cilja na impulz v občinstvu: o, tudi mi želimo biti taka srečna družina – če bomo torej tudi mi jedli te žitarice, bomo tudi mi tako srečni. A zdi se, da takim reklamam ne verjamemo več, kar pa ne pomeni, da ta logika še vedno ne deluje. Logika, zakaj bi se recimo marsikdo prijavil na tečaj transcendentalne meditacije, je lahko povsem enaka zgornji: ker to meditacijo kot enega ključnih elementov svojega filmskega ustvarjanja poudarja David Lynch. Če bomo torej meditirali, bomo postali tako lucidni kot on.

 

Dosega objekta, ki ga je subjekt videl pri svojem modelu, pa se nujno konča v razočaranju: objekt namreč ni opravil svoje temeljne funkcije. Subjekt ni umrl kot bitje z mankom in postal drugi, ki tega manka nima. Objekt je tu, v lasti, a subjekt z mankom ostaja. Človek po Girardovem mnenju večinoma ne bo prepoznal tega zablodelega mehanizma želje, ki je v temelju vedno želja po biti, po polni biti, torej po biti drugega, ampak se bo zagnal proti naslednjemu objektu. V najboljšem primeru bo ugotovil, da je kriva izbira napačnega modela, zato si bo poiskal drugega.

 

Želja po nečem, kar ima drugi, vedno implicira občudovanje tega drugega, željo po tem, da bi mu subjekt postal čim bolj podoben. Girard odnos subjekta do modela razdeli v dve temeljni kategoriji: v zunanjo in v notranjo mediacijo. Primere zunanje mediacije smo opisali zgoraj: to so primeri, ko subjekt ne pride v stik s svojim modelom, ko je model na tak ali drugačen način ločen od njega: časovno, prostorsko, starostno, razredno-statusno. S srečnimi ljudmi iz reklam najverjetneje ne bomo prišli v kontakt. Girard tu ponudi primer don Kihota: don Kihot si za modela izbere fikcijskega viteza Amadisa in po njem vzoruje svoj pogled na realnost. Želi postati kot Amadis, a Amadis bo zanj vedno onkraj.

 

Bistvena značilnost, v kateri se razlikujeta dva osnovna odnosa do modela, zunanja in notranja mediacija, je konflikt. V zunanji mediaciji subjekt zaradi ločenosti od modela z njim ne more priti v konflikt. Njegov odnos do modela je tako lahko veliko bolj neobremenjen, veliko lažje modela prepozna kot modela. Ravno nasprotno pa se zgodi v notranji mediaciji: tu subjektov model postane nekdo od njegovih bližnjih. Ta bližnji postane nekakšen vzornik, ki ga subjekt občuduje in ki ga želi doseči. Tako bo nek objekt, ki ga bo imel oz. želel bližnji model, postal zaželen tudi za subjekta. Dokler bo teh objektov več, se bosta lahko prepiru izognila. Ko pa bo prišlo do enega samega, nedeljivega objekta, takrat bo med njima nujno izbruhnil konflikt.

 

Girardovo raziskovanje mehanizmov, zaradi katerih postane nek objekt zaželen, je torej obenem tudi raziskovanje mehanizmov človeškega nasilja. Zakaj pride do nasilja med ljudmi in v družbi? Girardov odgovor gre v smer, da ne zato, ker so si ljudje med sabo preveč različni, ampak ker so si preveč podobni: ker si želijo iste stvari, ker želijo zasedati isto mesto v neki strukturi. Medsebojna različnost, celo nasprotnost dveh, ki se bojujeta med sabo, je le njuna iluzija – navzven oba delujeta isto.

 

Če bo subjekt v zunanji mediaciji veliko lažje prepoznal svojega modela, odprto priznal, da ga časti, kot to prizna don Kihot, bo subjekt v notranji mediaciji svoje posnemanje in občudovanje modela skrival pred drugimi, pa tudi pred sabo. Tako bo obrnil izvorni potek želje. V konfliktu z modelom bo trdil, da je bila njegova želja prvotna, da je model tisti, ki ga oponaša in da je model tisti, ki mu želi izmakniti nekaj, kar je bilo njegovo.

 

V tem že lahko prepoznamo obrazec pripovedi o dvojnikih. Dvojnik je ponavadi nekdo, ki subjektu ukrade identiteto, službeno mesto, prijatelje, položaj, partnerja.  Subjektu se kaže kot nekdo, ki je isti kot on sam, čeprav ima ravno nasprotne karakteristike: če je subjekt sramežljiv, je dvojnik brezsramen, če je subjekt tih, je dvojnik glasen, če je subjekt ponižen, je dvojnik ambiciozen in prodoren … Kot rečeno, dvojnikov videz istosti je posledica tega, da subjekta nadomešča na njegovem mestu. Da mu dobesedno ukrade identiteto in subjekta izrine v nebivanje, v nič. Če romantična predstava dojema dvojnika kot nekoga, ki pride kasneje kot subjekt in ki želi zasesti njegovo mesto, pa Girard obrne to percepcijo: ni dvojnik tisti, ki posnema subjekta in ki vzema tisto, kar je subjektovo, ampak je subjekt tisti, ki pretirano posnema nekoga in ki ga zaradi naraščajoče bližine začne dojemati kot sebi istega drugega.

 

Ko subjekt zagleda svojega dvojnika, je to že prvi znak, da se je znašel na območju nočne more. Da je dvojnik neke vrste njegova halucinacija, projekcija njegove zavesti. Girard trdi, da je prav ta predstava drugega kot dvojnika trenutek, ko subjekt najbolj jasno vidi resnico, tj. istost sebe in drugega: a namesto da bi prepoznal, da je sam začel postajati isti kot drugi, se mu zdi, da drugi postaja isti kot on.

 

 

Eden od razlogov, zakaj se subjekt znajde v konfliktnem odnosu do svojega modela, je tudi modelovo obnašanje, ki ga dojema kot kontradiktorno. Girard to ponazori z branjem Freuda. Pri Freudu se je sinova želja fiksirala na materinski objekt, oče pa je sinovo incestno željo prepovedal. Po očetovi prepovedi je sin ponotranjil očetovsko instanco, torej nadjaz. Če torej Girard Freuda bere v smeri od prepovedi do identifikacije, sam to zaporedje obrne. Zanj najprej obstaja identifikacija in posledično posnemanje, šele nato prepoved.

 

Girard namreč opazi, da Freud v sinovem obnašanju zaznava posnemanje očeta, da si sin torej želi v vsem biti kot oče. Ker je torej oče njegov vzornik oz. model, po njem uravnava svoje želje. To ni problem, dokler sledi očetovim zanimanjem, ki si jih z njim lahko deli (npr. risanje), problem nastopi, ko pride do objektov želje, ki so nedeljivi, prepovedani. Vrhovni primer takega objekta želje je v tej arhetipski sceni seveda mati. Pomembno je poudariti, da v Girardovi razlagi mati predstavlja eno od zanimanj očeta, ki mu sin v njegovi želji stalno sledi. Seksualno želja je posledica imitacije. Pri tej sinovi želji nastopi ostra očetova prepoved, ki pa je sinu povsem nerazumljiva; od očeta namreč prejema dvoje nasprotujočih si sporočil: oče je najprej njegovo imitacijo spodbujal, nato pa jo iz sinu neznanega razloga na mestu matere ostro prepovedal.

 

Za boljše razumevanje tega pojava ga Girard primerja s pojavom dvojne vezi, ki ga je opisoval psiholog Gregory Bateson. Batesonov subjekt namreč naleti na dvoje zapovedi, ki druga drugo izključujeta, tako da v vsakem primeru ravna napačno. Dvojno vez Bateson razlaga na primeru mame, ki v odnosu do sina govori jezik ljubezni na ravni diskurza, a ko se otrok odzove v skladu s temi besedami, je do njega odbijajoča. Na verbalni ravni torej otroka sprejema, v dejanjih pa ga zavrača. Otrok, ujet v dvojno vez, ne zmore dojeti te prepovedi, kot tudi otrok, ki naleti na prepoved imitiranja, potem ko mu je bilo to prej dovoljeno, ne more razumeti, kaj se dogaja. Girard trdi, da je subjekt, ki je ujet v to „obsceno“ zanko, zadnji, ki bo ugotovil – ali pa sploh ne – kaj se dogaja in kakšna pravila je prekršil.

 

Ker se je Girard opiral na Freudova opažanja, ki jih je interpretiral v drugi smeri, je psihoanaliza eno od tistih področij, s katerim bi morala mimetika čim več korespondirati. S stališča psihoanalize je namreč moč mimetiki postaviti marsikatero zanimivo vprašanje. Morda eno najpomembnejših vprašanj bi naslavljalo Girardovo razrešitev uvodoma omenjenega vprašanja, kako nek objekt sploh postane zaželen. Ta zagonetka, ki dobi odgovor v samozadostnem in bolj polnem modelu, pa prav s tem odgovorom sproži novo vprašanje: kako nekdo sploh postane model? Girardovi odgovori na to vprašanje se hitro zadovoljijo z razlagami, da je model neka v subjektovih očeh bolj polna in samozadostna identiteta, ki ji subjekt želi postati podoben. A kaj modela dela tako samozadostnega? Od kje modelu njegova moč?

 

Tu si lahko pomagamo z Lacanovim spisom Pomen falosa. Sin tu opazi, da sam ne predstavlja edine materine želje, ampak da je materina želja usmerjena še v nekoga tretjega. Ta tretji je falos. Falos je seveda potrebno razumeti kot označevalca želje, torej kot neko mesto, kamor je usmerjena želja oz. mesto, ki privlači željo. Lacan iz tega zaključi, da sin želi postati materin falos, kar pomeni dvoje. Želi namreč biti točka, kamor bo usmerjena materina želja, obenem pa bo želel postati kot tisti, ki materi predstavlja falos, torej kot tisti, ki je nosilec falosa. Logika tu je jasna: če je materina želja usmerjena proti nosilcu falosa in če sam postane kot nosilec falosa, potem bo s tem pridobil tudi njeno željo.

 

Podoben pojav lahko opazujemo pri instancah idealnega jaza in Ideala Jaza. Idealni jaz je tista idealna podoba, s katero se subjekt identificira, kar je vzporedno mimetičnemu modelu. Ideal Jaza pa je tista točka, s katere subjekt presoja uspešnost te svoje identitete. Oz. kot to vprašanje formulira Žižek: potrebno se je vprašati, kateremu pogledu želi subjekt s svojo idealno identiteto ustrezati? Ali če to vprašanje prenesemo na mimetiko: za kateri pogled želi subjekt postati kot model? Čigavo željo si bo pridobil, če bo postal tak kot model? Ali torej nekdo postane model, ker subjekt vidi, da je pogled, ki ga želi sam očarati, občudujoče uprt v modela? Če torej pogledamo na mimetičnega modela s stališča psihoanalize, ugotovimo, da je to vprašanje, na katerega Girard ne odgovarja.

 

Tu pridemo do krožnega vprašanja: ali subjekt želi postati kot model, da bi si pridobil željo, ki je usmerjena v modela; ali pa si želi pridobiti željo, ki je usmerjena v modela, ker bo tako postal kot model, saj ga bo zamenjal na mestu, kamor se steka želja? Ali sploh lahko ločimo to dvoje? Ali ni subjekt vedno, ko želi postati kot model, na misiji, da preusmeri fasciniran pogled nekoga z njega na sebe? In ali ni vedno, ko preusmerja pogled iz nekoga drugega na sebe, že na poti, da postane ta drugi?

 

Ali je torej pogoj, da si sploh lahko želimo fascinirati nek pogled, dejstvo, da ta pogled ni usmerjen v nas, ampak v nekoga drugega? Girard analizira dva literarna primera, kjer moški v svoje razmerje z žensko pripelje še tretjega. To se zgodi v Večnem možu Dostojevskega in v poglavjih o radovednem vsiljivcu v Don Kihotu, sem pa lahko dodamo še Potovanje na konec pomladi in Mrtvo mlako Vitomila Zupana. To dejanje Girard razloži s tem, da se v obeh primerih želja moža do svoje žene intenzivira, ko vidi, da željo po njegovi ženi izraža še nekdo tretji, ki ga občuduje. To je mimetična razlaga, kjer je za intenzivnost subjektove želje po objektu potrebna še želja nekoga tretjega. A zdi se, da Girard tu spregleduje pogled ženske.

 

Kar spregleduje pri svoji analizi je to, da npr. mož v svoj zakon ne pripelje tretjega zgolj zato, da bi si ta želel njegove žene in bi si jo prek njegove želje toliko bolj želel tudi sam, ampak da pri tem računa tudi na to, da bo njegova žena temu tretjemu vrnila želeč pogled. Žena lahko postane spet zaželena ne zgolj tako, da je v njo usmerjena želja modela, ampak da tudi sama v modela usmeri svojo željo. Oz.: model ni zgolj tisti, ki v ženo usmeri svojo željo, ampak ki mu žena to željo vrne.

 

Če analiziramo te trikotnike, vidimo, da si modela ne izbere moški sam, ampak da mu ga pravzaprav izbere ženska. Spomnimo se spet na Lacanov spis: nekdo postane falos/model zato, ker je vanj uprt fasciniran pogled nekoga, čigar fasciniran pogled hoče subjekt fiksirati nase. Ni torej toliko res, da možje v teh romanih  bolj ljubijo svojo ženo, ko vidijo druge želje usmerjene v njo, ampak ko vidijo, da se žena odziva na te želje. Oz. natančneje: moškemu ne bo predstavljal modela kdorkoli bo že nor na njegovo ženo, ampak nekdo, ki mu bo njegova žena vrnila občudujoč pogled, torej nekdo, v kogar bo tudi sama usmerila svojo željo. Če ne fascinira pogleda, ki ga subjekt želi fiksirati nase, ne more postati model. Ta moški tako izstopi iz anonimne vrste oboževalcev in pridobi status legitimnega modela. Šele ko žena v nekakšni prasceni svojemu možu pravzaprav izbere modela, torej nekoga, ki je veliko bolj od moža pritegnil njeno željo, ta tretji lahko postane model, ki mu bo tudi v prihodnosti zaupana izbira zaželenih objektov za subjekta.

 

Moški v omenjenih zgodbah torej ne vpeljejo rivala, da bi si prek njega želeli, ampak da bi se v rivala usmerila želja, za katero želijo tekmovati. Kot da Girard pozablja, da seksualni prestiž ne sestoji le iz modelove želje po ostalih, ampak po tem, da ostali vrnejo fasciniran pogled modelu. Da bi si subjekt želel druge osebe, mora videti to osebo v rokah tretjega. Videti mora, kako tretji to drugo osebo ima. A kaj, za razliko od neživih predmetov, pomeni osebo imeti? Imeti osebo pomeni imeti prikovan njen fasciniran pogled nase. Pomeni nase fiksirati njeno željo. Potrebno je torej razlikovati med tem, ali si model nekaj želi ali pa model to ima. Če je govora o intersubjektivnih odnosih, potem želeti nekoga pomeni usmerjati svojo željo vanj, imeti nekoga pa pomeni usmeriti njegovo željo vase. Šele fasciniran pogled, usmerjen v modela, legitimira modelovo polno bit in superiornost, še posebej, če gre za željo, za katero tekmuje tudi subjekt.

 

Tisto, kar Girard imenuje polna modelova bit, je torej v intersubjektivnih odnosih stvar fasciniranega pogleda, usmerjenega v tega modela. A tudi tu moramo prepoznati neko krožnosti. Če se iz intersubjektivnih odnosov premaknemo recimo na odnos ljudi do vodij. Tak je npr. bil po Freudu primordialni oče prazgodovinske horde: nekdo, ki ni podlegel mimetičnosti želje, ki ni sledil ostalim, ki je dajal vtis, kot da od ostalih ni odvisen. Če v odnosu dveh lahko govorimo o tem, da občudovani izpolnjuje nekakšno zasebno fantazmo občudovalca, da torej ne uprizarja nujno neke samozadostnosti, da bi sprožil željo po sebi, je to v odnosu množice do občudovanega drugače. Z drugimi besedami: občudovani je moral ponuditi nekaj, da se je okoli njega zbrala množica. Moral je uprizoriti nekaj, zaradi česar so se okoli njega začeli zbirati ljudje in usmerjati vanj svoj fasciniran pogled, ki ga je še bolj utrdil na poziciji moči. Girard trdi, da je tisto, kar najbolj privlači željo, videz samozadostnosti, vtis, da je občudovani sam sebi dovolj oz. vtis, da ne boleha za mimetično željo, ki bi ga gnala v oponašanje in sledenje nekomu drugemu. A kako razložiti samozadostnost zunaj okvirov tega, da je zgolj posledica fasciniranega pogleda, ki naj bi to samozadostnost ustoličeval?

 

Tu se lahko spomnimo na tisti famozni Sokratov izrek: »Vem, da nič ne vem. Ti pa še tega ne.« Implikacija, ki jo nosi Sokratova trditev, da nima vednosti, da v sebi nima nobenih skritih zakladov oz. agalme, ki mu jo pripisujejo drugi in zaradi česar je tako privlačen za ostale, npr. za mladega Alkibiada v Simpoziju, je naslednja: če se Sokrat kot najbolj moder mož zaveda, da sam ne poseduje nikakršne vednosti, se mora zavedati, da je ne poseduje tudi nihče drug. Ostali ljudje bodo v drugih stalno iskali neko vednost, ki njim samim manjka, neko polnost, ki bi zapolnila njihov lasten manko. Sokrat pa je modrejši od ostalih ravno zaradi tega, ker ni odvisen od stalnega iskanja modelov, vzornikov in lažnih bogov. Zaveda se, da so vsi ostali prav tako bitja z mankom, razpoko, praznino in nevednostjo, kot je on sam, zato v nikogar ne bo usmeril fasciniranega pogleda, ki bi želel nekakšno obljubo ukinitve lastnega manka in polne biti.

 

Tako moramo v genezi modela – kot praktično v genezi česarkoli – prepoznati dvoje sil, ki krožno porojevata druga drugo. Samozadostnost krepi fascinirane poglede in fascinirani pogledi krepijo samozadostnost oz. vsaj njen videz. Tako lahko lociramo izvor modela želje med fasciniran pogled nekoga, ki je usmerjen v modela in ki predstavlja cilj želje psihoanalitičnega subjekta, in med samozadostno bit, ki je cilj mimetičnega subjekta. Kar zgolj še enkrat poudari nujnost soočanja psihoanalize in mimetike.

facebooktwitterrss

THL / 1138

$
0
0
Oddaja
5. 12. 2016 - 20:30

Tokrat brez Bauerjevih zatikanj / po(d)tikanj, brez Sinanovićevih blitzmetafizičnih izvajanj, preden se odpravi pokosit travo pred bajto, in brez Tomažinovih minucioznih faktičnosti, ki jih morejo povezati le tenke linije smrti. Namesto njih sociolog Primož Krašovec, ki ga bolj kot ideologije zanimajo tehnike in afekti, Kazimir Kolar, čigar romaneskni prvenec Glas noči je kaskada tehničnega izrazja, in Maja Murnik, raziskovalka elektronske literature ter drugih erupcij tehnokrajine. Posneto 15. novembra 2016 v Trubarjevi hiši literature.

Artwork: Kladnik & Neon

facebooktwitterrss


OM 51 - Big Drone Data pt. 1

$
0
0

Strateško so-delovanje

$
0
0
Recenzija dogodka
6. 12. 2016 - 13:00

CoFestival je izrasel iz sklepnih produkcij izobraževalnega cikla Nomad Dance Academy pod skupnim naslovom Kratki rezi, ki je potekal med letoma 2008 in 2010 v Ljubljani. Leta 2011 se je ekipa odločila, da tvorbo, ki je že spontano prešla v festivalsko obliko, preimenuje v festival Pleskavica, s katero so skušali začrtati specifičen način participatornega in inkluzivnega ustvarjanja festivalskega programa na obnebju resnih finančnih rezov.

Leta 2012 se je zaradi simptomatičnega pešanja finančne kondicije povezalo več festivalov in mednarodnih programov: Pleskavica, Ukrep, festival plesnih perspektiv, mreža EDN z evropskim projektom Modul Dance in regijska mreža Nomad Dance Academy. Kljubovalno so začrtali festivalsko politiko v edini mednarodni sodobnoplesni festival pri nas.

Na spletni strani zapišejo: »Vsebinsko in finančno smo v teh letih naredili programski in produkcijski čudež«. To velja še toliko bolj, če pomislimo na zadnje rezultate javnega sofinanciranja, ki so ob odsotnosti strokovnih kriterijev, ignoriranju strokovne javnosti ter netransparentnem in šibkem obrazložitvenem stroju zaštartali izbris sodobnoplesne umetniške prakse in njene scene. Morda ne zaštartali, temveč nadaljevali. Sodobnoplesna scena namreč že nekaj let deluje na meji (ne)vidnega, na robu med profesionalizmom in amaterizmom, brez institucionalnega zaledja in brez zagotovljene kontinuitete dela. Na tem mestu pa le spomnimo na nekatere poskuse, ki so se zgostili v letu 2011, ko so si akterji dotične scene - med glavnimi pobudniki so bili tudi iniciatoji CoFestivala - prizadevali vzpostaviti Slovensko plesno mrežo, revitalizirati Društvo za sodobni ples Slovenije in vzpostaviti novi nacionalni Center sodobnih plesnih umetnosti – ki je zaživel le za slaba dva meseca in je bil ob menjavi vlade v začetku leta 2012 neslavno ukinjen. Naj še dodamo, da kulturna politika s predlogom zakona o scenskih umetnostih, o katerem je razpravljala na zadnji seji Nacionalnega sveta za kulturo, še nadalje trasira produkcijo protekcionizma za konservativizem in nacionalizem ter omogoča brisanje heterogenih manjšinskih praks, ki raztezajo pojem scenskih umetnosti.

Zatorej je odločitev za sodobnoplesni mednarodni CoFestival hkrati tudi strateška in politična odločitev, ki krepi dotično področje in kreira taktike, ki bi se utegnile »tudi nekolikanj zaostriti«. So-delovanje in so-kuriranje sta metodi, ki skušata koreografske prakse misliti iz razširjenega pojmovanja. To ni povezano zgolj s koreografskimi deli, marveč s premislekom o načinih produkcije, ki transgresirajo standardizirane načine. Predvsem pa s premislekom o formiranju skupnosti.

Opomba pod črto bi bila le umestitev festivala v dogodkovno-produkcijsko mrzlico, ki je sicer povezana z načini javnega sofinanciranja. Že tako majhna zainteresirana javnost, ki si jo deli dobršen del nevladnega sektorja, je imela nemalo težav pri usklajevanju in izbiranju dogodkov, ko je v debelem tednu zgostila več premier, kakor poprej ne v daljšem časovnem razdobju.

CoFestival je zastavljen velikopotezno, gre namreč za desetdnevni festival, ki se večji del odvija v Kinu Šiška, nekaj produkcij pa je letos razpršil še po drugih prizoriščih: SLOGi, Galerija Tobačna 001, Oder pod zvezdami (LGL).

Začelo se je sicer sproščeno-nostalgično-maskulino. 2:0 je nadaljevanje plesnega prvenca Gorana Bogdanovskega iz leta 2000, ko je s svojo ekipo Fičo baleta vzpostavil analogijo balet-nogomet. Vrste so strnili: Dejan Srhoj, Goran Tatar, Damjan Mohorko, Goran Bogdanovski. Obe praksi preči določena virtuoznost teles, paralelizem, ki ga je bil ustvaril Bogdanovski v prvem delu, je baletni sentiment ironično podvrgel nogometnemu zabavljaštvu. Nadaljevanje 2:0 sledi tej analogiji, hkrati pa virtuoznost zamenjajo upešana in postarana telesa, ki zmorejo izvajati prilagojeno upešano koreografijo. Zabavljaški piece je z obrazom športa na POP TV Tomažem Klemenčičem v predstavi domiselno kritično kartografiral stanje igralcev-izvajalcev oziroma delavcev v kulturi: vrednost, preigrane predstave, starost, obseg, potencial.

Drugi festivalski dan je podobno nadaljeval s slovenskimi ustvarjalci, najprej s preddogodkom, večerjo, ki si je prizadevala za nekakšno rahljanje običajnih formalnih okvirov pogovornih situacij, vendar nekoliko sramežljivo. Kolektiv No!training Lab, katerega pobudnica je Katja Legin, je razgrnil večletno raziskovanje temeljnega gradnika performerjevega ustvarjanja: biti viden. Svoje delo so nato razširili še na dramaturgijo, uprizoritvene strategije, komunikacijo z občinstvom in kompozicijsko-zvočno podobo. Kolektiv se je lotil Kunderovega romana Počasnost in vzpostavljal dialog z upočasnjevanjem in procesualnostjo produkcijskega cikla. Decembra lani so predstavili večstopenjski projekt Variacije na počasnost: TIME OUT. Nadaljevali so na Mladih levih in tokrat tudi na CoFestivalu. Predstava, ki je izjemno komunikativen kolaž, vzpostavlja simultane odrske situacije, kjer pogled izbira izsek odrskega dogajanja. Kunderova Počasnost ostaja bolj ali manj (le) poriv gibalnega materiala. V določenem trenutku predstava zaustavi plesna telesa, jih posede v linijsko vrsto, ta pa spregovorijo. Mestoma dramaturško nekoliko raztegnjena predstava vzpostavlja zaokrožen in fiksiran uprizoritveni material, kjer procesualno upočasnjevanje in dopolnjevanje ne uspe prešiti površja.

Od te točke je festival krenil h gostujočim produkcijam, ohranil pa linijo, ki si jo je celokupno začrtal: premišljanje in iskanje potencialnih družbenih kohezivnosti in preizpraševanje meje med javnim in zasebnim. Plesni solo Spet Roberta Roberte Milevoj, plesalke in koreografinje - ki prihaja iz Hrvaške, trenutno izjemno brbotajočega sodobnoplesnega konteksta – oder zapolnjuje z gmoto zvočnikov, ki zmorejo proizvesti izjemno intenzivno zvočno krajino, s katero gibalka vzpostavlja dialoško odrsko situacijo. Plesni solo prostor in čas odra intenzivira po eni liniji z osebnim materialom, kar odpre performativno iskrenost, po drugi gibalni material referencialno pripenja na zgodovino modernega plesa in vznikanje koreografskih problemov: plesne ekspresije, čustev in narave.

Eden napovedanih festivalskih vrhov je bila zagotovo koreografska masovka Kolektivni poskoki nemške koreografinje Isabelle Schad, nekakšne ritmične študije o pogojih skupnosti in kolektivnega telesa – tokrat poljskega. Citat: »Svobodo vidimo v odnosu do forme: do forme, ki je ustvarjena in zasnovana z notranjim procesom in njegovimi ritmi. Ritem ustvari formo, zaradi česar najdemo v njej mnoštvo, pomnožitev, subjektiviteto in variacijo: variacijo znotraj ponavljanja.« Ritmično-kinetično kolektivno telo ustvarja sinhrono gibanje z redukcionističnim gibalnim materialom, ki si izposoja zlasti pri različnih skupnostnih obredih (ljudski ples, vzhodne telesne prakse, lahko bi bil tudi nogomet), v isti sapi pa skuša kode transgresirati z nekaterimi singularnimi gibalnimi nesinhroniziranimi pobegi, ki se kasneje ponovno ritmično uskladijo s skupino. Učinek naj bi bil nekakšna vidnost temeljne materialnosti kodov. In če je zanje upor prav vprašanje ritma in protest vprašanje organizacije in izvedbe, potlej kot mesto upora predlagajo telo plesalca. Izjemno zanimivi se zdijo nekateri učinki, ki jih predstava proizvaja: v isti sapi, ko zastavlja problem kolektivnega ritmiziranega-kinetičnega telesa, hkrati to kolektivno masovno telo tudi proizvaja.

Festivalski iztek se je zgostil s koreografom in plesalcem Martinom Sonderkampom ter vizualnim umetnikom in performerjem Darkom Dragičevićem, ki sledita raziskovanju teles v prostoru oziroma vzajemnemu součinkovanju in transformativnemu potencialu razmerja telo-prostor. V času festivala sta izvajala delavnice Podaljševanja, ki so sledile istemu raziskovalnemu impulzu in predstavitvenemu formatu. Če bi njuno raziskovanje želeli smiselno umestiti na plesno-zgodovinski kontinuum, zapišejo na spletni strani, njuno delo pripade praksam druge polovice 20. stoletja, ki svoje raziskovanje emancipacije zgostijo okoli temeljnega fenomenološkega premisleka Merleau-Pontyja: materialnih dinamik teles v odnosu do prostora. V izčiščeno galerijsko belino se naselita dve telesi, ki se s svojim gibom ekstenzirata v prostor, raziskujeta načine povezovanja z materialnostmi predmetov in med sabo. Premišljujeta vpisovanje prostorske materialnosti v telesa in telesne v materialnost in to skozi počasno minimalno gibalno raziskovanje, ki po eni strani preizprašuje procesualnost in njen čas, po drugi pa zapletanje telesa in prostora skozi vzpostavljanje odnosnic telo–voščenka, telo–papir, telo–plahta, telo–telo.

facebooktwitterrss

Kraj dogajanja: 

Inovativni dobri mož

$
0
0
Kulturna ali glasbena novica
6. 12. 2016 - 15:10

V duhu prvega decembrskega dobrega moža je bila včeraj v londonski galeriji Tate britanski umetnici Heleni Marten podeljena Turnerjeva nagrada. Prejela jo je za svoje delovanje v preteklem letu s poudarkom na multimedijski inštalaciji, ki so jo v galeriji označili za poetično in slikovito. Inštalacija je zasnovana kot kolaž vsakdanjih predmetov, ki pa v vlogi umetniške kompozicije postanejo abstraktni, lahko tudi tuji. Umetnica je v zahvali omenila, da je priznanje še toliko pomembnejše zaradi krčenja sredstev za umetnost na eni in izrabe umetnosti v populistične namene na drugi strani.

Zanimivo umetnostno dogajanje se danes ob devetnajstih obeta v galeriji Kapelica. Potekal bo namreč performans ob odprtju razstave Dokler ne umrem / Until I die ruskega umetnika Vtola. Ime se nanaša na zvočni objekt, ki ga je umetnik ustvaril kot svoj klon. Poganja ga namreč umetnikova kri, ki jo je v ta namen zbiral kar pol leta. Na vprašanje, ali je pri ustvarjanju objekta prišlo do kakšnih težav, je odgovoril:

Zvočni objekt bo razstavljen do petka oziroma dokler ne preskoči zadnji elektron v krvi.

Če pa vam umetnost danes ne diši, se lahko ob devetnajstih v Živku Škvotcu udeležite bralnega seminarja o tehnologiji xlr8 ur december, ki ga organizira Inštitut za delavske študije. Ustvarjalci seminarja obljubljajo, da bodo Človeka utapljali v ledeno mrzli vodi kibernetskega feedback loopa. Na današnjem srečanju se bo debatiralo o Manifestu za akceleracionistično politiko. Kaj to je, nam je pojasnil koordinator seminarja Aljaž Zupančič.

Pod črto lahko rečemo, da je bil letos Miklavž zelo inovativen.

Kulturne novice je pod oddaljenim očesom Aleša Mendiževca sestavila vajenka Anja.

facebooktwitterrss

Kraj dogajanja: 

Show 608 : APL-C06_GH (Radio Grenouille)

$
0
0
Oddaja
1. 12. 2016 - 23:59

APL-C06_GH
1 minute + 1 minute (remix) x12

Here is a sound collage composed of works of students in Plastic Arts (Aix-Marseille University).

Radia_s38_n608_Radio-Grenouille_APL-C06_GH

 

Code : APL-C06_GH – Plastique Sonore
Setpoint 1 : realize a 1mn piece, focusing on the editing effects.
Set 2 : the piece is transmitted to another student to be remixed.

Each student then produces a piece and then receives one to be remixed.
The sources are free, but the exercise is designed to explore the characteristics of the selected sounds and their shaping by digital audio mixing and editing tools.
You will hear a minute, then his remix, in a course sometimes crude, where the sounds explode.

The first and last pieces are solitary because they were produced last year.
A circulation, from one cycle to another …

Final assembly made at Atelier-Studio Euphonia

…………………………..

Voilà un collage sonore composé de travaux d’étudiants en Arts Plastiques (Licence 2 – Aix-Marseille Université).

Code : APL-C06_GH – Plastique Sonore
Consigne 1 : réaliser une pièce de 1mn, en se concentrant sur les effets de montage.
Consigne 2 : la pièce est transmise à un autre étudiant pour être remixée.

Chaque étudiant produit donc une pièce puis en reçoit une à remixer.
Les sources sont libres, mais l’exercice vise à explorer les caractéristiques des sons choisis et leur façonnage par les outils de montage et mixage audio-numérique.
Vous entendrez une minute, puis son remix, dans un parcours parfois brut, là où s’explorent les sons.

La première et la dernière pièce sont solitaires, car produites l’année passée.
Une circulation, d’un cycle à l’autre…

Montage final réalisé à l’Atelier-Studio Euphonia

Aktualno-politične oznake: 

facebooktwitterrss

Kraj dogajanja: 

Kratka refleksija o poraznem stanju slovenske literarne scene

$
0
0
Mnenje, kolumna ali komentar
7. 12. 2016 - 13:00

Pred leti sva se s prijateljem filozofom lotila razmišljanja o mentalnem stanju slovenske literarne scene in ljudi, ki jo kreirajo. Izhodišče najinega razmišljanja sta bila smrt vplivnega slovenskega pesnika Tomaža Šalamuna in nekrolog, ki ga je o njem napisal prav tako že pokojni Aleš Debeljak.

Spraševala sva se, ali niso tako razširjeni nekrologi, ki pojejo slavo preminulim literatom in tudi drugim osebnostim z različnih področij, pravzaprav vedno že namenjeni temu, da povzdigujejo ime samih piscev nekrologov, in s tem ko razkrivajo njihovo svetoboljnost, njihovo solzavo naslajanje ob tuji smrti, njihovo razkrivanje zasebne vplivologije v odnosu do ranjkega, njihovo pripisovanje zaslug za ovekovečenje preminulega, ki morda tega niti ni hotel ne želel, povejo več o njih samih kot o tistih, o katerih pišejo.

Povsem jasno je, da sta mišljenje in pesništvo, ne samo pri nas, vendar pri nas še posebej, v krizi identitete. Namesto da bi kreirala realnost, samo nemočno opazujeta, kako ju ta prehiteva z vseh strani. Knjige so, prosto po Brechtu (tudi tega si je treba znova izmisliti!), izgubile status orožja in spet postale prostočasna aktivnost na ravni kvačkanja in pletenja. Da (zapisana ali govorjena) misel in s tem tudi poezija ne moreta spremeniti ničesar, kaj šele da bi lahko bila nevarna, je postalo samoumevno in obče sprejeto dejstvo. Duhovna impotenca se je zažrla v same temelje kulturnega prostora, kjer samooklicani lavreati z nekaj gorečimi podporniki ustvarjajo vsak svoj peščeni grad, ki ga drži pokonci samo splošno družbeno in intelektualno brezvetrje. Ti, v glavnem prezgodaj upokojeni kvaziintelektualci in kvazipoeti niso sposobni drugega kot grajenja lastne samovšečne podobe z nostalgičnim oziranjem v preteklost, ki je nikoli ni bilo, namesto da bi prevzeli odgovornost in postali vest družbe, ki pospešeno razpada pred njihovimi kratkovidnimi očmi. Da pesniško prebiva človek na tem svetu kruhoborcev, bi bila zgolj še ena lepih, a benignih romantičnih iluzij, uporabnih kot floskula na raznih kulturnih (ko kdo omeni kulturo, se je treba nemudoma prijeti za tank, ne le za denarnico ali orožje!) prireditvah, ki so same sebi namen in spominjajo na velike pogrebne sprevode, ob katerih bi se celo smrt ustrašila za svoj obstoj.

Krogov pekla je po Danteju sicer devet in so neskončno vznemirljivejši kot krogi slovenskega pesniškega pekla. Razlika med peklenskimi krogi velikega pesnika in samooklicanih apologetov slovenske poezije je tudi v tem, da slednji pravzaprav zanikajo njihovo peklenskost in obljubljajo nekakšen raj na zemlji ali vsaj krvave vice. V tem raju vsi nosijo lepe maske in se lepijo na velepomembne vzdevke. Če izvzamemo brezpravne izgnance iz tega raja, in če celo zanemarimo nepomembno dejstvo, da je teh večina, dobimo pesnike, filozofe, mislece, modrece, intelektualce, razumnike, kulturnike, ambasadorje slovenske kulture in jezika, duhovne prosvetitelje, osamosvojitelje, narodne prebuditelje in kar je še takšnih označevalcev, na katere trzne povprečno slovensko uho. Najhuje je, da s svojimi titulami zbujajo upanje, in to je očitno njihov edini namen, da imajo ključ rajskih vrat, namesto da bi pogumno kot Dante razobesili tablo vi, ki vstopate, vsak up opustite. Ta obljublja peklensko zabavo. Z rajem seveda ni nič narobe, s krvavimi vicami še manj, le da sta v primerjavi z (živim in živetim) peklom skrajno duhamorna, pusta, opustošena. Dobesedno morita duha! Ali, še bolje, duh se je spremenil v vato, ki uspešno ščiti pred propadom obljub in upanja, ki nimajo niti najmanjše osnove v realnosti. Takšna je slika in vloga sodobne slovenske poezije: namesto da bi detektirala peklenskost tega sveta v vseh njegovih živopisnih konotacijah, o katerih se je razpisal že Vitomil Zupan v svoji Komediji človeškega tkiva, nam ga pakira v nebeško modre škatlice z napisom: blagohotno vpliva na prebavo in lajša črevesne krče!

V takšnem umetnem raju, ki se ga duh literature očitno ni dotaknil, še manj pa osebnosti, ki so tega duha narekovale, se je potila in se še poti pravzaprav celotna slovenska literarna srenja, ki ni sposobna prebaviti niti svoje lastne infantilnosti, tega neprestanega samonanašanja in vzajemnega tituliranja med samooklicanimi očeti in sinovi. V luči tega dejstva potemtakem ni problematično (samo) to, da nekdo piše nekrologe, temveč (zlasti) to, da so prosti spisi o slovenski literaturi izpod peres samooklicanih postmodernističnih pisunov, ki niso nikoli obglavili svojih očetov, ampak še kar parazitirajo na njih, pravzaprav nekrologi o živih. Postavljanje spomenikov živim ni nič drugega kot navadna dolgočasna nekrofilija.

Tomaž Šalamun je bil še zadnja osebnost v slovenskem pesniškem vesolju, ki si zasluži ta naziv. Bil je pesniška žival, triglavi zmaj, ki je bruhal podobe z zavidljivo kondicijo (petdeset zbirk v petdesetih letih!), bliskoviti panter, ki se je uspešno izmikal interpretacijam in literarnozgodovinskim predalčkanjem, kameleon, ki je nenehno menjaval barve v skladu s svojimi spremenljivimi občutji in razpoloženji, sfinga, ki je ni mogoče razkleniti, ne da bi razbili njeno jedro, virus, ki je rušil okostenelo tkivo slovenskega svetobolja. Za njim ni ostalo ničesar omembe vrednega razen nedonošenih otrok, ki neprestano pokopavajo sami sebe. Ti seveda iščejo petminutno slavo na bitkah talentov, v resničnostnih šovih, malih sivih celicah in razrednih sovražnikih. Dokler jih ne pokoplje lasten pohlep in ne postanejo bleda senca samih sebe. Senca sence. Šalamunov eros se jih očitno ni dotaknil, zato zdaj v vicah povzdigujejo njegovo truplo, njegov tanatos. »Kako jih nije sramota!?« bi rekli naši južni bratje. In imeli bi prav. Zgodilo se je namreč nekaj, kar si nihče od ljubiteljev poezije niti v sanjah ni želel: pogreb pesnika je razkril somrak poezije; postmodernistične svinje in vzpon Idiotov.

Dlako z jezika je dal Vid Sagadin Žigon.

facebooktwitterrss

Grom in vedro

$
0
0
Kulturna ali glasbena novica
7. 12. 2016 - 15:10

Drago poslušalstvo Radia Študent. Današnje kulturne novice vam bomo posredovali brez posebnega uvoda, torej direktno, ali kot bi naši južni bratje rekli: kao grom iz vedra neba. Danes pa je nebo še posebej vedro, zatorej, začnimo.

Danes bo v +MSUM potekalo zadnje, a zato nič manj zanimivo predavanje v okviru letošnjega programa Kako kritično je stanje kritiškega pisanja? v organizaciji SCCA Ljubljana in Društva Igor Zabel za kulturo in teorijo. Predaval bo Fouad Asfour, pisec, urednik in jezikoslovec, njegova tema pa je vezana na pogoje pisanja o umetnosti s kritičnim razmislekom o kolonialni oblastni matrici v umetnostnem izobraževanju. Ker nam ni bilo najbolj jasno, kaj to pomeni, smo ga poklicali in prosili, da nam zadevo razloži:

*Izjava

Ker je njegova osnovna premisa predavanja vezana na neubogljivost piščevega telesa, ki, citiramo: »mora postati vidno prek spremembe tona, jezikoslovne gverile in jezikovnega terorizma,« smo ga prosili, da nam zgornji stavek malo obrazloži:

*Izjava

Kako je prišel do pojma neubogljivosti in kaj to pomeni?

*Izjava

Za konec je g. Asfour poslušalstvu Radia Študent predlagal tudi članek na to temo, ki je dostopen na spletu:

*Izjava

Če smo že pri neubogljivosti in piscih, se lahko osredotočimo tudi na Marka Tomaša, pesnika, esejista, kolumnista in komentatorja, ki je pri založbi Sanje izdal pesniško zbirko, poimenovano Črni molitvenik. Njegovo izhodiščno vprašanje je “Kako živeti med toliko smrtmi?”. In ker nas je zanimalo, kakšne so njegove ugotovitve, smo ga poklicali. Povedal pa je sledeče:

*Izjava

Zanimalo nas je tudi, ali je njegovo zbirko mogoče tolmačiti kot pesniški poziv za neke vrste revolucijo ali je morda Črni molitvenik bolj pasivne in pacifistične narave. Marko Tomaš na to odgovarja:

*Izjava

V vsakem primeru se moramo, tako ali drugače, upirati. Uporniško se s stola in računalnika dviguje in odhaja Hajzler.

facebooktwitterrss

Kraj dogajanja: 

Sezonske viroze


Imam transseksualizem

$
0
0
Recenzija dogodka
8. 12. 2016 - 13:00
 / Kinobar

Festival LGBT filma. Ljubljana, 26. 11. - 4. 12. 2016. Oblikovanje: Hand Bag.

Večletno spremljanje festivala LGBT filma potrjuje njegovo enkratno umeščenost v lokalni filmski kontekst. To je predvsem kinotečni dogodek, prav dovolj pregleden, da omogoča fokusiran gledalski ritual v ustreznem okolju, in prav dovolj velik, da ponudi privlačno mnogoterost filmskih pogledov ter nekaj resnih kritičnih vložkov.

Veliko bolje javnofinančno podprt, a tudi komercialnejši Liff je skoraj vzporedna filmska realnost "z drugega konca mesta". Dualnost dveh festivalov pušča vtis pluralne mestne filmske krajine. A zagotovljena pluralnost pomeni tudi mainstream povsod – nekje ga je več, drugod pa malo manj.

Tudi na letošnjem festivalu LGBT filma smo tako naleteli na nekaj mainstreamovskih "motenj", ki pa so le poudarile pomen tistih manj tipičnih filmov, zaradi katerih je pomembno, da obstaja tovrstni filmski dogodek.

Eden teh je dokumentarec Transspolna življenja v Sloveniji v režiji Michelle Emson, po scenariju Anje Koletnik in Evan A. Grm ter v produkciji zavoda Transakcija in Sanctuary Studios. Pregledna predstavitev desetih transspolnih in cisspolno nenormativnih oseb sloni na pristopu talking heads, ki se mu sopostavljajo prebliski podob različnih mest in krajev Slovenije, kjer protagonistke in protagonisti živijo oziroma tako ali drugače delujejo. V prepletu izjavljanj prevladuje vtis o nujnosti krhanja binarnega sistema – uradnega in hkrati večinsko privzgojenega –, ki spol in družbeni spol definira skozi strogo delitev na dve kategoriji.

Fragmenti osebnih zgodb so vsebinsko odličen material, iz katerega montaža izlušči najpomembnejše vidike transspolnosti. Film tako spregovori o tranziciji kot pomembnem, psihološko izzivalnem prehodnem življenjskem obdobju in se naveže na običajne zagate s pravnim priznanjem spola. Tako kot nekoč homoseksualnost je danes tako imenovani transseksualizem v Sloveniji opredeljen kot duševna motnja, ki pa je nujna diagnoza, če želite spremeniti svoj spol. Se pravi, ko imate transseksualizem, ste uradno duševno moteni, a ko boste spremenili spol, bo motnja izpuhtela in bo vse okej – spet boste lepo popredalčkani v kategorijo M ali Ž in torej ne boste več "štrleli ven".

To legalistično bizarnost, vredno takojšnje ukinitve – tudi v smislu odprave definicije spola v osebnih dokumentih in povsod drugje v sistemu –, je pomembno razumeti z intimnega in družbenega vidika. Normativni utesnjujoči okvir je pri tem le opomin, da se je z binarnostjo sistema treba boriti iz in v samoorganizirani mreži, ki posameznike/posameznice opolnomoči, opogumi in jih oboroži s strategijami boja ne le zoper spolno, temveč tudi vsakršno vsiljeno normativnost. Film na nekaj mestih nakaže ravno to aktivistično razsežnost problematike, kar je njegov ključni prispevek k trenutnim lokalnim in širšim emancipatornim bojem.

Če nas Transspolna življenja v Sloveniji in kratki dokumentarec Rotten, ki pokaže, kako se v Turčiji izogniti služenju vojaškega roka, spomnita na utesnjujoče razsežnosti družbe, a tudi družine kot zapora, nas Čudoviti jebeni božič(En underbar jävla jul)še izraziteje opomni na srhljivo konservativnost še tako sodobne družine. Ta po švedsko smešna komedija je sprva tudi obetavno ironična, saj med zelo sproščeno skupinsko igro duhovito očrta običajno malomeščansko ikonografijo. Navlaka božičnega kiča nekaj časa uspešno zapolnjuje duševno praznino. Režirana družinska proslava kmalu razpre obsedenost mladega gejevskega para s svojimi starši, ob tem mimogrede glorificira božič kot največji praznik Zahoda, v dogajanje pa je vpeto nekaj multikulturnih okraskov. Verski praznik kot glavni praznik Demokracije in – nakupovanja.

Drama kmalu ubere pot osladnega happy enda, saj ženska, ki je s parom povezana kot nadomestna mati, po hipno izraženem uporu obtiči v povsem inferiornem položaju: podredi se starejšim moškim "glavam družine", kar neposredno prispeva k popularizaciji obstoječega patriarhalnega ustroja. "Zmaga" družina. Dejstvo, da je "mavrična", naredi film za sluzasto propagando liberalnega socialdemokratskega statusa quo: družina ostaja, normativnost ostaja, božič je vedno lepši, otrok prihaja in vse je možno kupiti, le imeti je treba ustrezna plačilna sredstva.

Povsem drugačno pot ubira film Poletje (La belle saison). Problematike zgodnjega feminizma v Franciji sedemdesetih let se loteva kompleksno, z več zornih kotov in upoštevajoč razredno vprašanje. Situacijski prikaz boja za enakopravnost žensk v patriarhalni družbi ne obtiči na črno-beli ravni, temveč tudi nakaže potrebo po solidarnosti med vsemi zatiranimi, ne le znotraj feminističnega gibanja. Ko gre za ženske, na primer za pravico do splava, ne gre seveda le za ženske, temveč za vse spole in nespole, predvsem pa za zavesten izstop iz vsakršne od zgoraj zapovedane normativnosti, ki predpisuje, kaj naj počnemo z lastnimi telesi. Posebnost filma je, da učinkovito sopostavi mizansceni vaškega in mestnega okolja, da bi laže in očitneje izluščil patologijo družine, v kateri, že spet, tiči vzrok samozatiranja. Protagonistka je tako zahvaljujoč svojemu družinsko pogojevanemu psihološkemu vzorcu sama svoj policaj, kar nenehno zavira njeno željo po osamosvojitvi in užitku.

Na isto patologijo naletimo tudi v filmu Viva. Z njo se bori osrednji protagonist Jesus, ki iz maskerja postopoma prerase v dreg performerja. Njegova pot preboja na oder se izkaže za večznačno. Medtem se premešajo slike revščine, strasti do nastopanja in vsakdanji medčloveški stiki. Kljub predvidljivi zgodbi, ki je še preveč zaigrana – in med katero zelo pride do izraza značilna očetovska patetika –, nam film ponudi standardno introspekcijo, s to posebnostjo, da jo naveže na odrski izziv. Razkriti se torej predvsem sebi, da bi se lahko zares razkrili pred občinstvom, pred sebi enakimi.

Za razliko od Francije sedemdesetih se v ZDA še štiri desetletja pozneje in do danes soočajo z izobčenostjo medicinskega posega za prekinitev nosečnosti. Film Babica(Grandma) nazorno pokaže, kako tam, kjer "družbe ni", rešuješ situacijo sam in po svojih močeh. Amerika je tista dežela, kjer splav delaš bodisi v kleti bodisi v plačljivi ambulanti in kjer je družina, četudi morda lezbična ali hipijevska, sveta celica potrošniške družbe.

Okrog družinske problematike se vrti tudi dogajanje v filmu Rara. V ospredju je odraščajoča deklica, ki zgradi dobre slike čustvenih stanj med razpetostjo med mamo, ki živi s svojo ženo, in očetom. Žal nakazane povezave z legalistično platjo skrbništva nad otrokom posplošijo oris dekličinih stisk. Med vrsticami pa se nenačrtovano izkaže, da družina ne more biti zlahka razbremenjena ideološkega bremena, saj je v resnici totalitarna, na krvnem sorodstvu temelječa skupnost, ki jo, če hočeš biti svoboden/svobodna, moraš tako ali drugače zapustiti.

Mario je bil nekoč kaznovan za poskus pobega iz Vzhodne Nemčije na Zahod, dela pa kot vodič za oglede nekdanjega zapora obveščevalne službe Stasi, kjer je bil tudi sam zaprt. Iz tega potencialno napetega dejstva izhaja dokumentarno gradivo filma Vzhodni kompleks (Der Ost-Komplex). Mario obožuje kapitalizem zaradi, kot pravi, konkurence, ki naj bi mu bila lastna. Dejstvo, da temu ni ravno tako, nekako odmeva med sistematično prirejenimi izpovednimi prizori, ki pa jim na ravni filmskega jezika primanjkuje razsežnost kolaža. Poskusi ustvarjanja učinka iz kontrastov nikoli ne prestopijo meje dovoljenega. Film posledično pade v kanon mainstreamovskega dokumentarizma, ki se do ničesar zares ne opredeljuje, osrednji lik pa obtiči v vlogi žrtve, ki jo liberalci umestijo v svojo mašinerijo za propagando mavrične demokracije.

Krila (Vingarne), sto let star nemi film s homoseksualno tematiko, ima nedvomno veliko zgodovinsko vrednost, kar je tudi njegova največja težava. Med uživanjem v klavirski spremljavi Andreja Goričarja nas je groteskno kičasta razsežnost filma predvsem opomnila na zgodovinsko povezavo med umetnostjo in biznisom. Izrazito buržoazna oziroma aristokratska podlaga zdolgočasenega, družbeno izoliranega ljubezenskega trikotnika je medtem prispevala, da skoraj povsem pozabimo na "homoseksualno tematiko" filma. Tu je vsekakor pomembneje izpostaviti spektakelsko razsežnost zgodnjega meščanskega popa, nastalo iz ustrezne literarne predloge.

Po ogledu filma Maček(Kater) nismo gotovi, za kaj pravzaprav gre: za film o smrti oziroma izgubi, o osebnostni psihološki motnji ali pa o sodobni odtujitvi. Če pa gre za vse od tega po malem, potem ni jasno, kaj v konkretnem primeru druži tovrstne sindrome, kaj jim je skupno in iz česa izhajajo. Zgodba dveh dobro situiranih gejev, ki živita z mačkom, je baročno introvertirana. Odprt konec filma ne učinkuje, prej pusti vtis dramaturške zmedenosti.

Če je kaj poudarjeno in izluščeno, je to izolacionizem, ki ga narekuje meščanska družba, kjer je socializacija zgolj skupek vnaprej predpisanih ceremonij namesto resničnega druženja. Če je to film o odtujitvi, so prizori seksa in mačjega vsakdana v njem bolj dekoracija kot bistvena sestavina. In če protagonista ne bi bila geja, to ne bi spremenilo pointa. Film je tako lahko del vsakega meščanskega art festivala, v mainstream se uvrša zavestno. Nekje pod všečnim površjem, ki ga zagotavljajo podobe mačka, se vprašanje uporabe živali nenačrtovano izkaže za najpomembnejše med vprašanji, ki jih film odpira. Maček kot priročno orodje za učinek patosa opomni na antropocentričnost industrije spektakla in še enkrat uveljavi človekovo potrebo po poblagovljenju vsega živega.

32. festival LGBT filma je pokazal zajeten nabor dolgih in kratkih filmov ter vnovič pustil sledove tematik, ki se tako ali drugače vrtijo okoli sistemsko pogojevanih, a tudi ponotranjenih spolnih klasifikacij. V mnogih filmih je čutiti odmeve neokonservativizma, predvsem v poskusih liberalne promocije družine – ali njene "mavrične" različice – kot stebra obstoječih normativnosti, kar smo videli tudi pri primerih, obravnavanih v prispevku. Transspolna življenja v Sloveniji so dragocen odmik od tega trenda. So politična, kolikor so osebna in kolikor opominjajo na lokalni potencial bojev zoper vsiljene klasifikacije z različnimi aktivističnimi posegi in jeziki. Imeti transseksualizem je ultimativno emancipatorna deviacija, tukaj in zdaj.

facebooktwitterrss

You can see dead people

$
0
0
Kulturna ali glasbena novica
8. 12. 2016 - 15:20

Čas.

Starec vpraša

Mladeniča za čas.

Po odlomku iz pesmi Smiljane Legradič je jasno, da je čas za Kulturne novice. Če vas je uvod pritegnil ali imate radi poezijo, se lahko drevi ob 18.00 udeležite pesniškega večera v Hostlu Celica, kjer bo pesnica predstavila svoj opus.

Iz Metelkove lahko migrirate na Križevniško ulico v gledališče. Ob 20.00 se bo v Mini teatru odvila raziskovalna predstava Nazaj v obljubljeno deželo v koprodukciji z Zavodom Maska ter gledališčem Skogen [izg: skogen] iz Göteborga [izg: Geteborga]. Soustvarjajo jo Marko Bulc - Mare, glasbenik in publicist Miha Blažič - N'toko, igralki in dramatičarki Mirel Knez in Tjaša Ferme ter scenograf in igralec Damir Leventić. Ukvarjajo se s tematiko migracij v času begunske krize, izhajajoč iz pozicije razvajenega zahodnega ustvarjalca. Več o tem nam je povedal režiser Marko Bulc - Mare:

Izjava

Projekt so si zastavili kot delo-v-nastajanju. Prvi del se je uprizoril na Švedskem, danes pa bo predstavljena druga, slovenska etapa predstave/raziskave. Glede na to, da je poudarek na nezaustavljivem, se projekt nadaljuje v ZDA, kjer naj bi se ustvarila tudi zaključna verzija.

Če pa bi si raje pogledali nekaj ne-živega, se danes v galeriji Photon odpira razstava Zadnji pogled, ki prikazuje posmrtne portrete v sodobni fotografiji različnih avtorjev. S tem naj bi izpraševali pomene in reprezentacije smrti v sodobni zahodni družbi. Same fotografije trupel niso nekaj novega – v 19. in zgodnjem 20. stoletju so bile normalna praksa v evropski in ameriški kulturi. Izhajale so iz tradicije portretov preminulih. Služile so predvsem kot spominek: fotografije preminulih otrok so bile na primer edina podoba, ki je ostala za njimi. Če so fotografije trupel imele vsaj malo zasebnosti in so ostale v družinskih krogih, pa z današnjo razstavo postanejo del javnega kot umetnost. Zanimalo nas je, kaj se zgodi z zasebnostjo po smrti. O soglasju mrtvih smo povprašali kuratorko Jasno Jernejšek.

Izjava

Prikazovanje fotografij mrtvih je hitro lahko senzacionalistično. Kako se razstava temu izogne?

Izjava

 

Z vami še med živimi, vajenka Tjaša.

facebooktwitterrss

Kraj dogajanja: 

Show 609 : Enfonçures by Thomas Turine (Radio Campus Bruxelles)

$
0
0
Oddaja
8. 12. 2016 - 23:59

For acsr 20th birthday party, Thomas Turine performed an electronic live version of Enfonçures. He previously composed this soundtrack for Caroline Logiou’s theater piece based on Didier-Georges Gabily’s poem, about the 1st Gulf War.

Thomas Turine is a composer, a musician and a sound artist. He has created and is leading the Cosipie Ensemble which gathers musicians, singers and actors. They work together on his contemporary musical compositions and his musical theatre pieces (“88 Constellations“).

He also works with artists from performing arts, plastic arts and auteur cinema. He started off his musical journey as a child with folk music, then he discovered new wave music (LVDCR), rock music (Major Deluxe 2001-2009), acid-house and electronic music (Sitoid 1996-:::).

Since 2002, he’s been closely working with stagedirectors, movie makers and choreographers who are interested in exploring contemporary forms and making new creations. He both composes the music pieces and designs audio spaces. He has created the electro-acoustic sound system for about 60 pieces. He invents his own instrumental composition process, either on computers or on paper. He turns his composition into something more plastic. He likes to take on a visual representation of the world and creates a new one. His work on space, both in the matter of his musical composition or the sound spatialisation tends to work itself in a subliminal way so that the perception of his pieces are organic. The body of the listener has to be engaged and engrossed. He intends his music to be a place of encounter with the listener.

In 2013 with acsr, he creates HO, an abstract radio piece based on sounds collected in Iceland. With the acsr too and the ONA, Thomas launched in 2016 the In Ouïe project, a thinking and exchange project on hearing, between blind people, sound practitioners and everyone.

picture © Hichem Dahes

www.thomasturine.comcosipie.bandcamp.comwww.acsr.be/production/ho

Aktualno-politične oznake: 

facebooktwitterrss

Kraj dogajanja: 

Pogovor s postojnskimi skejterji

$
0
0
Okrogla miza, intervju ali pogovor
9. 12. 2016 - 12:00

Pogovor pred današnjim benefitom v Tovarni Rog.

_____________________________

PUMPA VERT BENEFIT@ROG SKATEPARK, 9.12.2016

Boldrider X Audiorama

Vertikalna rampa na Pumpi bo zgnila pizda. Nekaj moramo narest. Obvezno, sej je edina v državi. Edina? Jebote gde ja živim je rekla aždaja, veš tisto. Kaj bomo pol, zažgali kar je ostalo. Nej gre u kurac. Ma jebi se, dejmo ga preoblečt. Nove plate, najboljše, skatelite tehnologija. Trpežno ko svina. Nimaš kej pol tikat deset let, ko to fukneš gor na rampo. Pa tramove zamenjat, pa s katranom zaščitit. To bo strup od rampe pol. Dejmo!

Rog Skatepark vabi na benefit event za obnovo edine še živeče vertikalne rampe v Sloveniji, ki stoji v naredi-sam skejtparku na postojnski Pumpi. Metropola nam gre nasproti in mi smo sprejeli njihovo gostoljubnost. Zgodilo se bo v petek 9. decembra. Pridite podpret to stvar!

Program:

18-23:
- skate session (Pumpa v Rogu)
- hrana (Boldrider Kičn)
- štant (majice, pins, stickers, špegli, zini, fotke …)

23-04 
- Audiorama LINE UP: FOGY (Everything Goes), JAMBREAKER (Audiorama / PunksOnDecks), DADO

Vstopnina: Obligatorni prostovoljni prispevki!

KAR NABEREMO SE BO ZLOŽILO NA KUPČEK NAMENJEN OBNOVI RAMPE!

Več info:
Audiorama: http://www.facebook.com/audioramaglasba

Skatepark Rog: https://www.facebook.com/skateparkrog/

Boldrider Bowl / Pumpa Postojna: https://www.facebook.com/boldrider.bowl ,

http://boldrider-boldrider.blogspot.si/

facebooktwitterrss

»There is no such thing as a free beer«

$
0
0
Recenzija dogodka
9. 12. 2016 - 13:00

»Prva vaja je ta četrtek od 10h do 17h v Cepetki na Beethovnovi 5.

Generalen urnik je
17. in 18.
21. do 27.
29. in 30.
predvidoma vsakič 10 - 17
predstave 1., 2., 3.«

Takšen je bil koordinatni sistem vaj Potencialne predstave. Potencialno vpletanje se je sprožilo po 25. 11., deloma zaradi prepolnih urnikov, deloma zaradi zgostitve in intenzitete vpletanja. Rok B. je ostal zunanji, sama pa sem se zapletla. Perspektivičnost, ki preči zunanjo in notranjo kritiko, je tokrat stopila na potenco. To lahko pomeni vsaj dvoje. Prvič, da je vpletanje v produkcijski cikel trasiralo teren, na katerem so lahko vzniknile simpatije in prijateljstva, ter drugič, da je že sam produkcijski stroj, torej nekaj, čemur rečemo predstava, produciral tovrstno ravnino intime.

Eva Nina Lampič in Urška Brodar sta s priključeno soavtorsko ekipo, Mel(isso) Krodman in Danijem Modrejem, ter brez odključene ekipe (Maruša Majer, Nejc Cijan Garlatti, Vito Weis) s Potencialno predstavo končali Glejevega rezidenta 2016. Gre za produkcijski model, ki ga je Glej ustvaril leta 2013 pod takratnim umetniškim vodjem Maretom Bulcem, ki ustvarjalcem ponuja enoletno delo na projektu. Od takrat so se zvrstili: G-FART, Jaša Koceli in Nina Rajić Kranjac.

Dotični produkcijski organizem kljubuje hitrosti proizvodnega modela, zmanjševanju stroškov, krajšanju vaj in tripanju na končni produkt. Istočasno omogoči blagozvočnejše prehode iz izobraževalnega cikla v profesionalne ritualizme, zaznamovane z liminalnimi preskusi in institucionalnimi monoliti. O tem se je pregovarjalo še na zadnji seji Nacionalnega sveta za kulturo, kako da omogočiti mladeži gladkejše transferje in morebitne modele pripravništev znotraj javnih zavodskih konglomeratov. Do takrat je v svoji distopičnosti to očitno še vedno stvar nevladnikov.

Potencialna predstava gradi na metodologiji treh principov: 1. Princip meglenja; 2. Intervencijski princip; 3. Princip obrnjene nogavice. Publika-performerji-prostor-interakcija-imaginacija so vektorske smeri, ki merijo na ne-dogodek, krožijo okoli njega, brez da bi ga zapopadle, vselej ga jastrebsko preletavajo z masivnimi sklopi besed in njih imaginacijo.

Zadeva je razdeljena na tri sklope, vsakega avtorsko obdeluje ena izmed avtoric, ki v redu gledališča pripade enemu izmed strukturnih mest: dramaturginja Urška, performerka Mel, režiserka Nina. Avtorice, ki običajno zasedajo različne punkte v gledališki hierarhiji, tokrat vertikalo prelomijo v horizontalo soavtorstva, v tem pa je bržkone nekaj feministične vznesenosti, ki povrh vsega ni le slaba deklarativna gesta nominalnega gledališkega stroja.

Zajeten del filigransko popisuje prostorske koordinate med realnostjo in domišljijskimi nanosi, da se dvignejo platoji, iz katerih se bodisi pomikaš na stran, navzgor ali navzdol po ravninah, konstruirajoč nematerialni prostor. Drugi fingira stekanje publike v prostorsko svetost, črta njih odnose in dogodkovne interakcije med obiskovalci: neka oseba lovi pogled neke druge osebe. Ena oseba opazuje drugo na odru, ki v amaterski zadregi dviguje roke k žepom in jih spet spušča proti tlom. Na eni strani se gnetejo tisti, ki nekoga poznajo, teh je več kakor tistih, ki so prišli sami in so postrojeni nasproti. Prve mamijo prazni stoli in premišljujejo, ali bi morebiti lahko primaknili kakšnega iz prazne vrste. Tretji strojni sklop lovi konec ne-dogodka in njegovo razpuščanje z odtekanjem ljudi in njihovimi po-ne-dogodkovnimi mimobežnimi snidenji: oseba na odru je med potencialnim dogodkom v publiki zapazila neko drugo osebo in že zdaj ve, da se bo v snidenje naselila zadrega.

Nekako tako torej, kot bi sledili story-tellingu, pri tem pa vso drobovje, ki ponavadi ostane zakrito, obrnejo navzven. Vse te robove neke potencialne predstave in vsa ta strukturna mesta, ki so običajno zadenjska. Nelinearno skačejo po času, meglijo z nejasnostjo in v istem zamahu obsesirajo z detajli. Stvar domišljijskega stroja je, ali bo dogodke razporedil linearno, počez, ritensko, ali jih bo naselil v isti prostor, ali bo ne-dogodek multipliciral v večnivojsko konstrukcijo in ali bo po prvi asociativni stereotipni verigi prilezel do druge/tretje/n-te izbire, ki bo zaobšla tisto najbolj očitno.

Imaginarni habitus izgrajujejo skozi material, ki deluje improvizatorsko, kot da bi torej šlo, žargonsko rečeno, za nefiksiran material. Nekaj k temu doda še neteatraličnost ne-igre in amatersko nesigurno trasiranje platojev, ki proizvedejo zanimiv učinek navijaštva med (nekaterimi) gledalci. Linijska usmerjenost navijaštva ni preprosto premik od ene k drugi točki, prej gre za rizomatično stekanje: obilna druženja in hranjenja, ki so proizvedla intimnost v pogovorih onkraj konstruiranja predstave. In intimnost, ki jo proizvaja dogodek, ko govori o ne-dogodku nekemu zbiru ljudi, ki so se znašli v nekem drugem prostoru od tistega, kjer poteka potencialna predstava.

Navidezno nefiksirani material je trdovratno fiksiran, vsaka beseda precizno pade na svoje mesto v zaporedje stavčnih struktur. Minimalističnost in repetitivnost jezika je edino sredstvo, s katerim predstava pripenja markacije za orientiranje po tem ne-prostoru in ne-dogodku.

Nakazano ogrodje, ki je sestavljeno iz splošnih narativnih opisov, prepuščenih dražu in samovolji intimnega občinstva, vseeno preseva neka konkretna materialnost. Pripoved skozi odprte opise, ki nosijo podatke, pomena pa nimajo jasno določenega, izza besed odkriva zven, subjektivitete nosilk govora in njihovo fizično prezenco. Pod pritiskom te bližine in neizgovorjene zahteve po instantnem prepoznanju in ustrezni reakciji na slišano imaginacija občasno otrpne. In čeprav gostoljubni pogoji imaginacije niso vselej izpolnjeni, ta vseeno deluje na neki drugi ravni.

A to je le prvi del. Drugi se razpre nekakšnemu »talk-backu«, mapiranju odziva gledalcev in kolektivnih imaginarcev. Tretji pa se subtilno pripoji k prvemu in ponovno nepričakovano trasira nivo imaginacije v trenutku, ko gledalci že slutijo iztek. V drugem delu se vse izteče v nefiksiranje, tu so smeri nepredvidljive. In zaradi narave dotičnega dela je zapletanje kritike predvidelo tudi večkratno dogodkovno snidenje. Na grobo bi kartografirala tri vrste kolektivnih imaginarcev: imaginarni sanjači, ki so odprli svoje vektorske poti potencialnim raziskovanjem prisotnega skozi odsotno in odsotnega skozi prisotno. Pripenjali so se na potencialnosti, ki so večje od dejanskih zmožnosti gledališča in njegovih produkcijskih sredstev. Distopični imaginarci, ki se jim je v skicah raztapljala družbena pogodba in razvezovale solidarne vezi. Jezljivci, ki so vihraje odtekli iz prostora skupnega. Nekateri so prostoru zamerili, da je inkorporiral še ekonomsko menjavo: pir za kulturniški (dva) evro.

Kaj je z zastarelo domišljijo, ki vlada gledališkemu jeziku in mišljenju in ki še vedno deli na prav in narobe, misljivo in nemisljivo, medtem ko potencialnega ne vidi, ker je ukoreninjenost v lastno prakso premočna. In Bifo ima prav, ne moreš si izbrati lastne domišljije. Pa vendar lahko poskusimo razumeti, kaj usmerja gledališko imaginacijo, kaj je mogoče ustvariti v svetu iluzije, v okviru povsem mentalnega in sugestivnega. Kaj se zbudi in izgine, kaj oživi in kaj je v naši domišljiji dokončno mrtvo. »In ni le mrtvo v naši domišljiji, temveč ubija tudi nas, ubija našo možnost zamišljanja nečesa novega.«

Kot neopazni prevoj ene površine na drugo na Möbiusovem traku se je razmerje vpletene in nevpletene dihotomne kritike raztopilo. Zunaj je vselej že znotraj in znotraj zunaj. Prepišni kritiški prevoj sta odpeljala Alja in Rok.

facebooktwitterrss

Kraj dogajanja: 
Viewing all 5119 articles
Browse latest View live